Hallo Sicovecas! Du lebst in Indonesien, in Yogyakarta. Bist du dort geboren und aufgewachsen?
Ja, ich bin in Yogyakarta, oder „Jogja“, wie wir es normalerweise nennen, geboren und aufgewachsen.
Kannst du uns etwas über deine Kindheit erzählen? Wie bist du aufgewachsen?
Ich bin in einer streng katholischen Familie aufgewachsen und habe den größten Teil meiner Kindheit in der Kirchengemeinde verbracht – angefangen als Sonntagsschüler bis hin zu meiner späteren Tätigkeit als Sonntagsschullehrer. Außerdem besuchte ich eine Privatschule, an der Religion zum Alltag gehörte. Da Katholiken nur etwa 3 % der Bevölkerung Indonesiens ausmachen, war mein Vater der Überzeugung, dass die Kirche der sicherste Ort für mein Aufwachsen sei, und seine strenge Erziehung prägte meine Kindheit.
Gibt es in deiner Familie Künstler?
Nein, ich bin der einzige Künstler in meiner großen Familie.
Hast du als Kind gezeichnet oder gemalt?
Nicht wirklich. Stattdessen habe ich es geliebt, die Bibel zu lesen, besonders das Alte Testament. Ich glaube, diese Geschichten haben meine Fantasie wirklich beflügelt. LOL. Sie sind so bizarr, dramatisch und skurril.
Wie und wann hast du das Style Writing bzw. Graffiti für dich entdeckt?
Als ich 15 war, wurden meine Mutter und einige ihrer Kolleginnen von ihrem Chef sexuell belästigt. Sie führte die Gruppe an und brachte den Fall vor Gericht. Doch das ging nach hinten los – nach dem indonesischen Verleumdungsgesetz wurde sie zu einem Jahr Gefängnis verurteilt. Zu dieser Zeit hatte ich Selbstmordgedanken. Eines Tages ging ich zu einem verlassenen, unfertigen Hotel neben meiner Schule, mit dem Plan, von ganz oben hinunterzuspringen. Dann wurde mir klar, dass meine Mutter nicht einmal an meiner Beerdigung teilnehmen könnte, weil sie im Gefängnis saß. Während ich dort oben war, sah ich ein paar Freunde aus der Schule, die zum ersten Mal mit Sprühfarbe experimentierten. Ich schloss mich ihnen an. Mein erstes Tag war „SICK“ – es stand für das, was ich als kranke Gesellschaft empfand.
Danach sprühte ich überall in der Stadt Tags. Ich fing an, auf der Straße oder bei Freunden zu schlafen, weil ich nicht zu meinem Vater nach Hause zurückwollte. Die Straße (und alles, was dazu gehörte) hielt mich am Leben.
Wann genau hast du selbst mit Graffiti Writing angefangen?
Ich habe 2005 mit dem Taggen angefangen und ein Jahr später dann mit Throw-ups und Pieces weitergemacht.
War Graffiti in Indonesien schon sehr verbreitet, als du angefangen hast? Wie sah die Szene damals aus, und wie ist sie heute?
Die erste Generation von Graffiti-Künstlern entstand Anfang der 2000er Jahre in Jakarta. Viele von ihnen hatten im Ausland studiert oder waren dort gereist und brachten Graffiti-Magazine sowie die klassische amerikanische Graffiti-Kultur mit – das Bemalen von Wänden, während Autos in der Nähe parkten und Hip-Hop aus einer Boombox dröhnte.
In Yogyakarta hingegen entstand Graffiti aus der Underground-Hip-Hop- und Punk-Szene. Wir hingen auf den Straßen herum und bemalten die Stadt nach Mitternacht mit unseren BMX-Rädern. Wir konnten uns nicht viele Sprühdosen leisten, also benutzten wir billige Wandfarbe und mischten unsere eigenen Pigmente. Unsere Szene war sehr DIY-orientiert.
Ich habe sogar eine Nadel erhitzt, um Sprühdüsen zu modifizieren und verschiedene Sprüheffekte zu erzielen. Später, als L’Atlas Yogyakarta besuchte, hinterließ er uns einen Haufen männlicher Sprühdüsen. Da wir nur männliche Ventile an unseren Dosen hatten, schnitten wir unsere ursprünglichen Sprühdüsen buchstäblich in zwei Hälften, damit sie passten. Wir nannten sie „die Kannibalen-Sprühdüse“.
Heute würde ich sagen, dass Jakarta und Yogyakarta die aktivsten Graffiti-Szenen in Indonesien haben, aber jede hat ihren ganz eigenen Charakter. Jakarta ist bekannt für „Bombing“ und Abseilen, geprägt von seiner dichten Stadtlandschaft und seinem hohen Tempo. Yogyakarta hingegen hat ein entspannteres und gemeinschaftsorientiertes Umfeld. Tagsüber zu sprühen ist völlig normal, verschiedene Generationen sprühen regelmäßig gemeinsam, und die Szene ist eng miteinander verbunden. Ich denke, der Charakter der Graffiti-Kultur jeder Stadt wurde ganz natürlich von dem Umfeld geprägt, aus dem sie hervorgegangen ist.
Mit welchen Namen hast du angefangen?
Ich begann mit SICK, ließ dann schließlich das „K“ weg und wurde zu SIC. Zunächst war SIC eine Möglichkeit, das Trauma rund um meine Mutter zu verarbeiten. Mit der Zeit bekam es eine neue Bedeutung: As I See.
Wie wichtig war das Tagging für dich? Und wie sah es mit Throw-ups aus?
Ich war schon immer ein Tagger. Damals war es wirklich teuer, ein komplettes Piece zu malen, daher war Tagging der effektivste Weg, sich einen Namen zu machen.
Ich habe Throw-ups gemacht, wann immer ich mit Freunden unterwegs war, aber wenn ich alleine gemalt habe, habe ich mich ganz natürlich zu abstrakten Formen hingezogen gefühlt, die fast so schnell fertig waren wie ein Throwie.
Warst du in irgendwelchen Crews aktiv?
Ja, im Laufe der Jahre war ich Teil von vier verschiedenen Crews. Heutzutage habe ich nicht wirklich das Bedürfnis, für eine davon zu stehen. Ich repräsentiere lieber mein Land.
Gab es einen bestimmten Stil oder bestimmte Writer, die dich am Anfang beeinflusst haben?
Bei meiner ersten Crew, FSK, drehte sich alles ums Bombing. Wir haben sie eigentlich gegründet, nachdem wir ein Video von PUREHATE und WHOLE TRAIN gesehen hatten. Wir waren so inspiriert, dass wir um 2007 sogar ein paar Züge in der Stadt besprüht haben. Später interessierte ich mich dann mehr für die Gestaltung von Pieces.
Welche Stile hast du bevorzugt: Blockbuchstaben, Wildstyle, 3D-Style? Sieht so aus, als hättest du Wildstyle gemocht?
Ich habe alles ausprobiert, aber Wildstyle hat mir immer mein Herz gestohlen.
Kannst du deinen Stil zu Beginn beschreiben?
Wie ein Kind, das einen Süßwarenladen erkundet – ich wollte alles ausprobieren. Vor dem Internet waren Graffiti-Magazine so ziemlich unsere einzige Wissensquelle, und wann immer ich eines in die Finger bekam, studierte ich jede Seite und probierte jeden Stil aus, den ich sah.
Hast du auch Figuren gemalt?
Das habe ich tatsächlich. Um das Jahr 2017 herum begann ich, Flamingos in meine Werke zu integrieren. Rückblickend wirken diese Arbeiten sehr sommerlich, denn das war der Beginn meiner Reisen auf die indonesischen Inseln.
Wo hast du damals gemalt?
Meistens in der Umgebung von Yogyakarta und auf einigen abgelegenen Inseln, die ich bereiste.
Hast du nach der Schule studiert? Wenn ja, haben diese Studien deine heutige Arbeit beeinflusst?
Durch die Graffitipraxis träumte ich davon, an der ISI Yogyakarta zu studieren, Indonesiens renommiertester Kunsthochschule. Aber mein Vater bestand darauf, dass ich stattdessen Informatik studiere. Er glaubte, die Zukunft gehöre den Programmierern, und um ehrlich zu sein, hatte er nicht Unrecht. Die Welt braucht nun einmal Technologie. Das Problem war nur, dass er nie hören wollte, dass ich Künstler werden wollte.
Seit wann verwendest du den Künstlernamen Sicovecas, und hat der Name eine bestimmte Bedeutung?
Etwa seit 2018/2019. Davor malte ich unter den Namen SIC und OVERCAST. „Overcast“ beschrieb einen grauen Himmel kurz vor einem Regenschauer. So fühlte ich mich immer, wenn ich an meine Mutter dachte. Später habe ich die beiden Namen zu „SICOVECAS“ kombiniert und begann, den Slogan „Son of the Sun“ zu verwenden. Irgendwann wurde mir klar, dass ich nicht mehr nur die Dunkelheit in mir tragen wollte. Ich wollte die Wärme und Stärke meiner Mutter in mir tragen und so zu einem Licht für andere Menschen werden. Seitdem ist das Malen im Freien für mich zu einer Art geworden, durch zwischenmenschliche Verbindungen nach Wärme zu suchen.
Von 2013 bis 2019 sind in deinen Wandarbeiten zwar weiterhin Buchstabenformen präsent, jedoch kombiniert mit abstrakten Formen und Mustern. Die Kompositionen wirken konstruiert, und du hast reinere und kräftigere Farben verwendet. Kannst du uns etwas über diese Phase erzählen und welche Buchstaben noch vorhanden sind?
Diese Zeit fiel mit meinem Studium der Informationstechnologie zusammen. Ein Großteil des geometrischen Einflusses stammte aus der Programmierung. Beim Programmieren muss alles strukturiert sein. Schon bei einem einzigen kleinen Fehler läuft das Programm nicht. Ohne es zu merken, habe ich diese Denkweise in meine Graffiti-Kunst übertragen. Ich war besessen von technischer Präzision, Ausgewogenheit und dem Wunsch, jedes Werk perfekt konstruiert wirken zu lassen.
Ab 2019 lässt sich eine eher experimentelle Phase beobachten, in der du eine andere abstrakte Bildsprache ausprobierst: keine Buchstaben mehr, dafür mehr grafische Arbeiten, minimalistisch, mit größeren Formen/Mustern und farbigen Flächen, manchmal mit einigen figurativen Motiven. Du hast auch andere Farben verwendet, mehr Pastelltöne. Kannst du beschreiben, was dich zu diesem stilistischen Wandel motiviert hat?
Das Studium hat mich ausgebrannt, und das wurde zu einem Wendepunkt. Eines Tages wurde mir klar, dass es kaum einen Unterschied zwischen meinem Leben als Informatikstudentin und meiner Art zu malen gab. Alles war von Logik, Präzision und Kontrolle bestimmt. Ich fragte mich: Wenn ich dieselbe computergestützte Denkweise an die Wand bringe, was ist dann der Sinn, ein Mensch zu sein? Also begann ich, meine Werke zu dekonstruieren. Ich fing an, Farbtropfen, wackelige Linien und unvollkommene Formen zu akzeptieren. Da begann ich, durch organische Formen und sanftere Pastellfarben Menschlichkeit in meinen Gemälden zu entdecken.
Zu dieser Zeit hast du einige Auftragsarbeiten gemacht, richtig?
Ja.
Du hast sogar ein Boot gemalt. War das eine schwierige Arbeit?
Haha, ich bin immer bereit, ungewöhnliche Objekte zu bemalen. Dieses Boot erinnerte mich tatsächlich an die Arche Noah. Es war allerdings ein schwieriges Projekt. Da es auf einer kleinen Insel stand, trugen die Monsunwinde Ölrückstände von vorbeifahrenden Tankern herüber. Am Ende des Tages waren meine Beine komplett mit klebrigem schwarzem Öl bedeckt. Ich musste sie mit etwa drei Litern Benzin abwaschen, nur um sie wieder sauber zu bekommen.
Seit 2021/2022 malst du freier, immer noch abstrakt, aber mit anderen Formen, verspielten Farbstrukturen und mehr Kontrast. Es scheint, als würde die Malerei selbst als Material stärker in den Vordergrund treten, und du arbeitest intuitiver und ausdrucksstärker. Kannst du uns etwas über diese neue Phase erzählen, in der du dich gerade befindest?
Das war die Zeit, in der ich endlich das Gefühl hatte, zu verstehen, warum ich male. Mich interessiert es, das zu feiern, was uns in einer zunehmend algorithmischen Welt menschlich macht. Meine Arbeit ist viel organischer geworden. Heute scherzen die Leute, dass „hässliche Kunst immer noch besser ist als KI-Kunst“. Haha, vielleicht haben sie recht. In meiner Malerei geht es nicht mehr um Perfektion.
Bezeichnest du deine Wandmalereien immer noch als „Pieces“?
Ja, sie „Pieces“ zu nennen, ist meine Art, meine Graffiti-Wurzeln zu würdigen. Diese Kultur hat mir das Leben gerettet.
Wie würdest du deinen aktuellen Stil mit deinen eigenen Worten beschreiben?
Der Stil, der dem Menschsein am nächsten kommt.
Was gefällt dir an der Abstraktion?
Ich liebe es, dass absolut alles zur Inspiration werden kann. Seit ich im Freien male, ist jede Wand ein Atelier, das mir eine neue, abwechslungsreiche Auswahl an Farben, Texturen, Menschen und Geschichten zum Malen bietet.
Welche Art von Orten/Wänden bevorzugst du (alte oder moderne)?
Ich mag raue Oberflächen und leicht abgenutzte Orte. Sie erinnern mich an mein Viertel.
Wie findest du deine Spots zum Malen?
Zu Hause ist das ziemlich einfach. Da es in Yogyakarta eine bekannte Kunsthochschule gibt, gehen die Leute oft davon aus, dass man Kunststudent ist. Tagsüber illegal zu malen, gehört zum normalen Malalltag dazu. Wenn eine lange oder große Wand jemandem gehört, frage ich normalerweise zuerst um Erlaubnis. Irgendwie eröffnet es das Gespräch, wenn ich mich als Kunststudent vorstelle, und ich würde sagen, in etwa 90 % der Fälle sagen sie Ja.
Mit welcher Technik hast du am Anfang gemalt, und was verwendest du heutzutage an Wänden?
Meistens Sprühlack. In letzter Zeit macht es mir sogar Spaß, nach günstigeren oder weniger bekannten Sprühfarbenmarken zu suchen, weil ich ihre Unvollkommenheiten mag. Sie verhalten sich nicht immer so, wie man es erwartet, und das macht das Malen spannender.
Hast du ein spezielles Werkzeug oder eine spezielle Technik entwickelt?
Keine speziellen Werkzeuge. Da ich abstrakt male, bin ich wahrscheinlich der Einzige, der weiß, welche Teile des Bildes tatsächlich fertig sind, haha!
Wie sieht dein Arbeitsablauf beim Malen an Wänden aus und wie lange dauert er?
Er beginnt schon, bevor ich an der Wand ankomme. Auf dem Weg dorthin achte ich auf alles: die Straßen, durch die ich gehe, die Menschen, denen ich begegne, die Atmosphäre des Viertels. Sobald ich angekommen bin, wird es noch interessanter. Die Architektur, die Umgebung, das Wetter, der Straßenverkäufer, der mit seinem Wagen vorbeikommt, sogar die Stimmung des Tages – all das wird Teil des Bildes. Ich füge einfach immer wieder kleine Details hinzu, bis es sich fertig anfühlt.
Machst du vorher Skizzen?
Normalerweise nicht. Bei Auftragsarbeiten für Wandbilder erstelle ich eine grobe Skizze, weil das zum Prozess gehört, aber bei meinen eigenen Arbeiten entdecke ich das Bild lieber erst während des Malens.
Wie wichtig ist das Skizzieren für deine Arbeit überhaupt?
Sehr wichtig … für den Kunden! Haha …
Wie wichtig ist Freestyle in deiner Arbeit?
Für mich sehr wichtig.
Wie gehst du vor, um neue Formen, Farbpaletten und Texturen zu finden?
Mein Name, „As I See“, ist für mich zu einer täglichen Erinnerung daran geworden, genau hinzuschauen. Je länger ich im Freien male, desto mehr wird mir bewusst, dass die Inspiration bereits da ist.
Woher beziehst du deine Inspiration?
Von meinem kindlichen Ich. Ich liebe es, wie grenzenlos sich meine Fantasie damals anfühlte, besonders wenn ich die Geschichten aus dem Alten Testament las. Diese seltsamen und poetischen Welten begleiten mich noch heute. Es gibt eine Version von mir, die ich immer zu werden versuche: wie ein Kind zu malen, wie ein verrückter Wissenschaftler zu forschen, wie ein Dichter zu schreiben und Menschen so zu lieben, als wäre ich nie gebrochen worden.
Kannst du erklären, wie wichtig Farben für dich sind?
Ich betrachte Farbe – insbesondere Pastellfarben – als Therapie.
Wie legst du deine Farbpalette für eine neue Wandmalerei fest?
Ich beginne meist mit meinen Lieblingsfarben: verschiedenen Blau- und Pfirsichnuancen. Von da an hängt der Rest von Emotionen ab – sowohl von meinen eigenen als auch von der Atmosphäre des Ortes, an dem ich male.
Neben dem Malen im Freien und in Innenräumen arbeitest du in deinem Atelier auch mit Beton und Keramik, richtig? Seit wann?
Seit der Pandemie. Während des Lockdowns habe ich die Keramik für mich entdeckt, und durch ihre Eigenschaften und ihre Zerbrechlichkeit habe ich eine weitere Möglichkeit gefunden, zu verstehen, was es bedeutet, Mensch zu sein.
Was gefällt dir an der Arbeit mit Skulpturen?
Keramik ist noch taktiler als die Malerei. Das Öffnen des Brennofens ist nach wie vor mein Lieblingsmoment. Egal, wie sehr ich plane, die Glasur überrascht mich immer wieder. Das Ergebnis ist immer etwas, das über meine Vorstellungen hinausgeht.
Warum hast du dich für Beton und Keramik entschieden, und wie beeinflussen diese Materialien deine Arbeit?
Der Grund ist ähnlich wie bei meinem Freestyle-Malen: Von Anfang an hatte ich keine Kontrolle darüber, was ich schaffe.
Du warst dieses Jahr in den Niederlanden, richtig? Wurdest du von anderen Künstlern eingeladen? Wie sind diese Kontakte zustande gekommen und was machst du dort?
Im Jahr 2024 kam der niederländische Street artist Danny Rumbl nach Indonesien, um sich wieder mit seinen indonesischen Wurzeln zu verbinden. Während seines Aufenthalts in Yogyakarta lernten wir uns durch Street Art kennen und malten gemeinsam.
Zu dieser Zeit arbeiteten wir beide an Büchern. Danny erkundete sein indonesisches Erbe anhand von Familienrezepten, während ich meine eigene Reise als Maler durch Indonesien in „Weird Walls“ dokumentierte. Obwohl unsere Ausgangspunkte unterschiedlich waren, interessierte uns beide, wie persönliche Geschichten eine andere Perspektive auf die Geschichte bieten können.
Ein paar Monate später reiste ich in die Niederlande, und wir malten wieder gemeinsam. Als wir mehr Zeit miteinander verbrachten, wurde uns klar, dass Street Art zu unserer gemeinsamen Sprache geworden war. Anstatt die bekannten Narrative zwischen unseren Ländern zu wiederholen, wollten wir Raum schaffen, in dem sich Künstler auf Augenhöhe begegnen und neue Wege der Zusammenarbeit entwickeln können. So entstand Doewa Matjan.
Gibt es ein EU-Land, das du gerne besuchen würdest?
Ehrlich gesagt würde ich am liebsten die ganze Welt bereisen. Ich finde, jedes Land hat seinen ganz eigenen Charme.
Hast du demnächst irgendwelche Projekte?
Ich bin gerade auf meiner Sommertour durch Europa unterwegs. Momentan bin ich für einen zweimonatigen Künstleraufenthalt in Rotterdam, und nächsten Monat werde ich gemeinsam mit der Blind Walls Gallery ein Wandbild im Chassé Theater malen. Danach reise ich zum Konohana-Festival nach Osaka, bevor ich nach Indonesien zurückkehre, um dort einen Auftrag auf Bali umzusetzen.
Vielen Dank für deine Zeit!
Gern geschehen, Katia! Ich hoffe, wir haben eines Tages die Gelegenheit, uns persönlich zu treffen. Danke, dass du dir die Zeit für dieses Interview genommen hast, und mach weiter so mit dem, was du liebst!
Terima kasih!
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