Hallo! Du kommst aus Spanien, richtig? In welcher Stadt lebst du?
Hallo! Ja, ich komme aus Spanien und lebe seit 2010 in Madrid.
Wo bist du aufgewachsen?
Ich wurde an der Mittelmeerküste in Alicante geboren. Aufgewachsen bin ich in Elche – einer kleinen Stadt, die dank der Schuhindustrie gewachsen ist.
Kannst du uns etwas über deine Kindheit erzählen? Wie bist du aufgewachsen?
Ich bin in einem Arbeiterviertel in einer kleinen Industriestadt an der Ostküste Spaniens aufgewachsen. Ich verbrachte den Tag draußen auf der Straße, wo ich mir Spiele ausdachte, und meine Nachmittage auf Brachflächen und in verlassenen Fabriken; wir erkundeten die Stadt und wichen dabei auf unseren Skateboards Junkies aus, die uns ausrauben wollten. Eine lebhafte Kindheit könnte man sagen.
Gibt es in deiner Familie Künstler*innen?
Meine Mutter hatte ein Händchen fürs Zeichnen, obwohl sie es kaum jemals tat. Ich hatte in meiner Familie keine künstlerischen Einflüsse.
Hast du schon als Kind gezeichnet oder gemalt?
Wenn ich nicht draußen auf der Straße war, saß ich immer zu Hause und zeichnete. In der Schule habe ich das auch gemacht.
Hast du als Kind Comics gelesen?
Ich erinnere mich, dass ich schon mehrere Comics hatte, bevor ich lesen konnte. Zum Teil habe ich mit dieser kleinen Comicsammlung das Lesen gelernt. Seitdem habe ich immer Comics gelesen – zunächst Superhelden-Comics, dann Underground-Comics und Graphic Novels. Ich liebte Autoren wie John Byrne, Jack Kirby, Moebius, Crumb, Clowes, Corben … In den letzten Jahren zwar etwas weniger, aber Comics waren schon immer ein Teil meines Lebens.
Wie und wann hast du Style-Writing/Graffiti für dich entdeckt?
Das Erste, was mir ins Auge fiel, war kein Graffiti, sondern einige Wandbilder, die von Künstlern in Zusammenarbeit mit Schülern einer Abschlussklasse meiner Schule gemalt worden waren. Ich erinnere mich, dass ich danach auf der Rückfahrt vom Haus meiner Großeltern in Alicante zu meinem Zuhause in Elche vom Auto aus Graffiti gesehen habe. Ich wusste nicht, was das war, aber es ist mir wirklich ins Auge gefallen. Ich habe versucht, es mit einem Pinsel in einem Landhaus nachzumalen, in dem wir früher unsere Sommer verbrachten – es war eine Katastrophe. Das muss so um 1987–1988 gewesen sein.
Später, im Jahr 1989, kam an der Schule die Rede von einem Spiel, bei dem man seinen Namen schrieb; man nannte es „Graffiti“. Es tauchte bereits auf Albumcovern und in Zeitungsartikeln auf; im Fernsehen wurde sogar die Dokumentation „Style Wars“ ausgestrahlt. Jemand hatte sie auf VHS aufgenommen, und die Kassette wurde immer wieder herumgereicht. In jenem Jahr machte ich meine ersten Tags; im Jahr darauf mein erstes Piece.
Wie sah denn diese Szene damals dort aus?
In Elche gab es praktisch keine Szene. Als ich anfing, gab es ein paar Writer, die älter waren als ich: Mofe, Sly-Tee, Bop, Kurtis … sie waren meine ersten Vorbilder. In weniger als einem Jahr tauchten überall in der Stadt Writer auf. In unserem Viertel, Altabix, gab es mehrere verlassene und halb verfallene Schuhfabriken. Zusammen mit Aito, Tees, Siria, Ekso, Sinae und anderen Writern fingen wir an, diese Orte zu besprühen, und schufen so die ersten „Halls of Fame“ der Stadt. Leute aus anderen Vierteln kamen, um sich unsere Werke anzusehen und mit uns zu sprühen.
Mit welchen Namen hast du angefangen?
Meine ersten Tags waren Raúl und Bucky, allerdings nur für sehr kurze Zeit. Ich wählte „Ros“ und dann „Rosh“ als mein Haupt-Tag, obwohl ich auch andere wie „Wild, Dis, Dys, Horse“ verwendete.
Wie wichtig war Tagging für dich? Und wie sah es mit Throw-ups aus?
Das Tag ist die Essenz der Buchstaben, die Struktur, die prägnanteste Form des Namens. Throw-ups sind die nächste Stufe. Ich war in diesen Disziplinen nicht besonders produktiv, aber ich erkenne ihre Bedeutung an. Da wir in diesen frühen Jahren des Malens Räume hatten, in denen wir unseren Stil entwickeln konnten, zog ich es vor, aufwendigere Wandmalereien zu schaffen.
Warst du in Crews aktiv? Wenn ja, in welchen?
AKA (Altabix Krew Action), CM (Comité de Mafiosos) und ein paar andere. Aber meine erste richtige Gruppe war „EZ33 (Estilo en la Zona 33)“, aus der im Laufe der Jahre „33“, „3III“ oder „Los 333“ hervorgegangen ist. Aito und ich haben sie 1993 gegründet; sie ist immer noch aktiv, hat mittlerweile mehr Mitglieder und im Jahr 2026 wird sie ihr 33-jähriges Bestehen feiern. Anfang 2000 war ich Teil der Gruppe „Porno Stars“; Dems, Okuda, Rois, Seleka, Dibone, Srger, Okan, Jank … waren einige ihrer Mitglieder aus verschiedenen spanischen Städten.
Gab es zu Beginn einen bestimmten Stil oder bestimmte Writer, die dich beeinflusst haben?
Wie für die meisten Graffitikünstler ist der Dokumentarfilm *Style Wars* ein wichtiger Bezugspunkt, ebenso Publikationen wie *Getting-Up* (in Spanien bekannt als *Los Graffitis*), *Spray Can Art* und *Subway Art*. Auch ältere, erfahrenere Graffitikünstler haben mich beeinflusst.
Aus diesen frühen Jahren erinnere ich mich an die Werke von Futura 2000, die mich stark beeinflusst haben. Aus *Style Wars* gefielen mir die Arbeiten von DEZ, SKEME und SEEN besonders gut. Der europäische Einfluss von Bando, PCP, SDK… Man muss bedenken, dass dies die Zeit vor dem Internet war; Informationen sickerten über Fanzines (*Game Over*, *Xplicit Graff*) herein, durch den Austausch von Fotos mit Writern aus anderen Städten oder durch Fotos, die man selbst auf Reisen gemacht hatte.
Ab 1998/1999, mit dem Aufkommen des Internets, änderte sich die Lage; man hatte Zugang zu mehr Informationen – und zwar nicht nur über Graffiti, sondern auch zu Referenzen aus anderen kreativen Disziplinen.
Welche Stile hast du bevorzugt: Blockbuchstaben, Wildstyle, 3D-Stil, oder andere?
Das hängt von der jeweiligen Zeit ab. Ich habe in allen Stilen gemalt, bevorzuge aber Wildstyle oder Semi-Wildstyle.
Du hast auch einige Figuren/Characters gemalt, hauptsächlich Köpfe. Was hat dich dazu inspiriert, Köpfe zu malen?
Ich hatte einige Künstler gesehen, die mit Icons oder Logos arbeiteten, wie zum Beispiel La Mano, Flying Förtress, Suso33 … Ich fand es eine gute Idee, mein eigenes Icon zu kreieren – eines, das jeder wiedererkennen würde, das auf kleine Flächen passt und sich schnell zeichnen lässt.
Als Vorlage diente mir eine Figur mit einem Hut im „Kangol“-Stil; ich hatte sie neben einem meiner allerersten Werke gezeichnet. Als Erkennungszeichen fügte ich ein Herz auf den Hut hinzu. Später löste sich dieses Herz-Icon von der Figur.
In Elche und Umgebung wurde darüber auch von Leuten außerhalb der Graffiti-Szene viel gesprochen. Man begann, sie „Soldiers“ zu nennen; es gab sogar jemanden, der einen Blog eingerichtet hatte, auf dem Fotos und deren Standorte hochgeladen wurden. Einige dieser „Soldiers“ haben die Zeit überdauert.
Kannst du deinen anfänglichen Stil beschreiben?
Im Moment sehe ich ihn als eine Mischung aus verschiedenen Stilen, allerdings mit dem latenten Wunsch, eine persönliche Handschrift zu definieren. Ich sehe darin auch eine ständige Suche, die bis heute andauert.
Wo hast du damals am meisten gemalt?
Hauptsächlich in verlassenen Fabriken, an Stützmauern am Stadtrand, an halb verfallenen Häusern und auf Brücken. Fast alles davon war in und um Elche; ich habe auch auf Reisen gemalt.
Hat dein Writer-Name bzw Künstlername ROSH eine Bedeutung?
Die Wahl fiel aufgrund der Buchstaben und des Klangs; mir gefiel, wie sie zusammenwirkten. Außerdem lautet mein Vorname „Raúl“ und mein zweiter Nachname „Rodes“, daher gefiel mir, dass es einen Bezug zu ihnen gab.
Hast du nach der Schule studiert? Haben diese Studien deine eigentliche Graffiti-Praxis beeinflusst?
Meine Ausbildung erfolgte hauptsächlich autodidaktisch, wobei ich künstlerische Praxis mit einer beruflichen Laufbahn in den Bereichen Grafikdesign, Art Direction und grafische Produktion verband. Ich habe diesen Weg durch spezielle Fortbildungen in Grafikdesign, Druckvorstufe und redaktionellen Produktionsprozessen ergänzt und so mein technisches und konzeptionelles Wissen, das auf beruflicher Erfahrung und eigener Recherche basiert, gefestigt. Natürlich hat all dieses Lernen einen direkten Einfluss sowohl auf meine Arbeit im öffentlichen Raum als auch auf meine Atelierarbeit.
Nach 2008 hast du angefangen, mit abstrakten Formen, Linien und anderen Gebilden zu experimentieren. Was hat dich dazu ermutigt, Buchstaben hinter dir zu lassen?
Ich habe die Schrift nicht aufgegeben – ich mache das bis heute –, es ist einfach etwas, das ich für mich selbst, für meine Freunde und für jeden mache, der zufällig darauf stößt. Mit dieser Arbeitsweise habe ich mir ein neues Feld der Erforschung erschlossen. Je mehr Wissen ich in der Kunst und anderen Disziplinen erwarb, desto mehr integrierte ich es nach und nach in meine Arbeiten im öffentlichen Raum.
Kannst du diese Phase beschreiben?
Ich war daran interessiert, Interventionen in bestimmten Räumen zu schaffen – Räume, die bereits eine eigene, ihnen innewohnende Bedeutung hatten. Das ist mir immer wichtiger geworden: die Texturen der Wand, die Erinnerung an den Raum und die Architektur zu betrachten und so einzugreifen, dass meine künstlerische Sprache diesen Raum erweitern konnte. Bei meinen linienbasierten Arbeiten interessierte mich vor allem der Akt des Malens selbst – der Moment, in dem eine Linie nach der anderen entsteht. Es war eine Art Automatismus, und ich sah diesen Prozess auch als eine Form der „Meditation“. Ich habe die Handlung um ihrer selbst willen wirklich genossen.
Ab 2013 hast du auch einige Arbeiten geschaffen, die du „Piss-Serie“ genannt hast. Farbige Flecken auf verschiedenen Oberflächen wie Holzbalken, Gehwegen, Gebäuden und Straßenecken – zunächst vorwiegend in Pastelltönen, später in kräftigeren Farben – sowie die Serie namens „Soporte“. Die Piss-Serie erinnert mich an die Arbeiten der deutschen Malerin Katharina Große, die 2008 damit begann. Kannst du uns erzählen, wie dir diese Idee gekommen ist und was sie für dich damals und später bedeutete?
Ich begann einige Jahre nach meiner Ankunft in Madrid mit der Arbeit an der „Piss-Serie“. Der Mangel an Räumen, in denen ich meine Arbeit im öffentlichen Raum entfalten konnte, und die visuelle Überflutung einer Großstadt (das Stadtzentrum von Madrid war in jenen Jahren mit Graffiti übersät) veranlassten mich, kleine Interventionen durchzuführen und zu versuchen, bestimmte Räume zurückzugewinnen. Für mich dienten diese Interventionen als Spur, die ich hinterließ, während ich durch die Stadt streifte, ähnlich wie es ein Hund oder ein Graffiti Writer tun würde. Ich war da.
Mir ging es darum, Bereiche hervorzuheben, die auf den ersten Blick vielleicht wenig interessant erscheinen (Gebäudeecken, Stufen, die unteren Teile von Verkehrsschildern, Lüftungsgitter …). Andererseits dienten sie auch als Abstraktion eines herkömmlichen Tags: Ich habe die Form weggelassen und nur Farbe verwendet. Die Wahl der Pastelltöne sollte einen Kontrast schaffen; „Bombing“-Graffiti ist eine „aggressive“ Praxis, während das Weglassen der Form und die Verwendung sanfter Farben sie vielleicht zu einer „freundlicheren“ Praxis macht?
In gewisser Weise habe ich diese Serie über die Jahre hinweg fortgesetzt, mit Arbeiten in Monochrom, Duoton oder großformatigen Wandgemälden. Katharina Großes Werk war eine Inspiration, obwohl mir zu Beginn dieser Serie der Großteil ihres Gesamtwerks noch weitgehend unbekannt war. Ich glaube, ich hatte eher Futura2000s erstes abstraktes „Whole Car“ aus den frühen 1980er Jahren im Sinn als Großes Arbeit.
Die „Soportes“-Serie ist eine Fortsetzung davon. Bei dieser Serie lege ich größeren Wert auf den Raum, in dem ich arbeite, und es handelt sich um eine durchdachte Handlung, nicht um einen so spontanen Akt wie bei der „Piss-Serie“. Einige der in der „Soportes“-Serie vorkommenden Elemente wurden später als Vorlagen in meiner Atelierarbeit verwendet, insbesondere in der Leinwandserie „Under Destruction“. Die Formen von Trägern, Säulen, Eisenkonstruktionen aus zerstörten Gebäuden und anderen für solche Räume typischen Elementen wurden Teil meines visuellen Vokabulars. Mich interessierte, was in der Architektur das Gewicht der Last „trägt“; in diesen Formen liegt Poesie.
Im Jahr 2020 wurden einige dieser Interventionen (die „Piss-Serie“ und „Soportes“) in einem selbst veröffentlichten Buch mit dem Titel „No tengo perro“ zusammengefasst, das eine zirkuläre visuelle Reise durch eine imaginäre Stadt erzählt. Im Jahr 2023 veröffentlichte ich einen zweiten Teil mit dem Titel „Antes era Campo“, in dem diese zirkuläre Reise jenseits der Stadtgrenzen stattfand.
Eine weitere Serie aus den Jahren 2016 bis 2018 trägt den Titel „Sismografia“. Diese Arbeiten bestehen ausschließlich aus unregelmäßigen, gemalten Linien an Lost Places. Was sind deine Ideen zu dieser Serie?
Dies ist ein weiterer Forschungsansatz, der eher auf der Idee einer Performance oder der Aufzeichnung einer Handlung basiert als auf bildender Kunst. Diese Arbeiten wurden kontinuierlich und ohne Unterbrechung ausgeführt. Mich interessierte es, meinen Gemütszustand innerhalb eines bestimmten Raums und einer bestimmten Zeit festzuhalten. Wie die Anzeige eines Seismografen während eines Erdbebens maß mein Körper meinen Gemütszustand und die Umgebung, in der ich mich befand; diese Messwerte wurden an der Wand festgehalten.
Der Raum, in dem ich die Intervention durchführte, und der Moment selbst waren entscheidend für das Ergebnis. Viele dieser Arbeiten schuf ich auch in meinem Atelier, auf Reisen, auf Papier und Leinwand, mit Notizen zu Tag, Uhrzeit, Datum und Ort.
Was ist mit den Arbeiten mit dem Titel „Lost Shapes“?
Abstrakte Formen, die neu interpretiert werden und in einen Dialog mit einem bestimmten Raum treten. Sie regen zum Nachdenken über diesen Raum an. Manchmal nahm ich die Schatten, die im Moment der Intervention entstanden, als Bezugspunkt, ergänzte die verfallene Architektur oder schuf einen „Katalog“ organischer Formen. Manche Formen erinnern vielleicht an Buchstaben – „Wild Style“?
Die Serie „RAN (Rojo-Amarillo-Negro / Rot-Gelb-Schwarz)“ war eine Fortsetzung dieser Art von Arbeiten. Unter Verwendung dieser Farbpalette trat an einem verlassenen Ort eine organische Form mit einer geometrischen Form in Wechselwirkung. Ein Teil dieser Serie wurde 2018 in einem kleinen Fanzine zusammengestellt.
Von 2019 bis 2024 lässt sich eine neue experimentelle Phase beobachten, in der du verschiedene abstrakte Bildsprachen ausprobierst, die grafischer und minimalistischer sind. War das eine neue Phase deiner künstlerischen Suche?
Die Suche geht weiter. Ich glaube, es ist für einen Künstler unerlässlich, immer weiterzuforschen und sich nicht in einem einzigen Stil oder einer einzigen Disziplin festzufahren. Möglicherweise waren in diesen Jahren mehr Veränderungen zu erkennen, was auf verschiedene Gründe zurückzuführen ist. Was ich mit Sicherheit weiß, ist, dass diese Veränderungen bereits im Gange sind. Einer der Gründe für die möglicherweise schnellere Entwicklung in diesen Jahren war zweifellos die Pandemie im Jahr 2020, während der ich die meiste Zeit in meinem Atelier in Madrid verbrachte.
Ein weiterer Grund für diese Entwicklung sind die Künstlerresidenzen, die ich 2022, 2023 und 2024 bei der Montresso-Stiftung in Marrakesch absolvierte. In diesen mehreren Monaten konnte ich mich ausschließlich auf meine Arbeit konzentrieren, frei von den Sorgen des Alltags und mit allen notwendigen Ressourcen und Materialien zur Verfügung. Einige der während dieser Residenzen entstandenen Arbeiten waren in der Ausstellung „Sé de un Lugar“ zu sehen, die im Oktober 2024 in der Stiftung selbst stattfand.
Seit 2025 hat sich deine abstrakte Bildsprache wieder verändert: Du arbeitest nun mit Kompositionen mit großflächigeren Formen, Linien und spielst mit diversen Farben. Du nennst diese Serie „Patrones de Fracturas“. Wie bist du zu diesem neuen abstrakten Stil gekommen?
Für mich ist das nichts Neues; ich sehe darin eine Weiterentwicklung meiner Arbeit.
„Patrones de Fractura“ ist der Titel der Ausstellung, die ich im November desselben Jahres in der Casa Axis in Valencia gezeigt habe. Eine Auswahl von Werken, die während eines Künstleraufenthalts im Februar auf Mallorca entstanden sind, sowie einige Arbeiten, die im Laufe des restlichen Jahres in meinem Atelier in Madrid entstanden sind, bildeten den Kern dieser Ausstellung.
Es ist eine Fortsetzung der Arbeit, die ich seit meinen Künstleraufenthalten in Marrakesch entwickelt habe. Ich lasse mich vom öffentlichen Raum inspirieren, unternehme zufällige Spaziergänge und setze all diese Eindrücke in Malerei um. Diese Art des Arbeitsprozesses eröffnet mir ein recht breites Spektrum an Themen, die ich erforschen kann. Für diese Ausstellung habe ich auch Skulpturen geschaffen, in denen ich Elemente aus meinen Gemälden in eine physische Form umgesetzt habe.
Die Idee hinter dieser Ausstellung war es, die Brüche oder Narben des öffentlichen Raums mit persönlichen zu verknüpfen. Ich betrachte die Stadt oder den öffentlichen Raum als ein lebendiges Gebilde, zu dem wir alle gehören.
Es war eine sehr wichtige Ausstellung für mich; vielen Dank an Felipe Pantone, der mir die Türen seines Hauses geöffnet hat.
Bezeichnest du deine Arbeiten im Außenbereich immer noch als „Pieces“?
In gewisser Weise ja – das ist doch ein Erbe der Graffitikunst, oder?
Wie würdest du deinen aktuellen Stil mit deinen eigenen Worten beschreiben?
Ich glaube nicht, dass es mir zusteht, meine Arbeit oder meinen Stil in Worten zu beschreiben; die Arbeit spricht für sich selbst.
Ich kann darüber sprechen, was mich bei der Arbeit motiviert, welche Impulse ich spüre. Aber meinen aktuellen Stil zu beschreiben…ich glaube nicht, dass das richtig wäre.
Was gefällt dir an der Abstraktion?
Vielleicht ist es eine Sprache, die offener für Interpretationen ist, die dem Betrachter eine persönlichere Lesart ermöglicht und eine umfassendere Art bietet, das Unbeschreibbare zu beschreiben.
Welche Art von Orten/Wänden bevorzugst du für deine Wandmalereien/Interventionen (alte oder moderne)?
Ich bevorzuge es, wenn der Raum ein Gefühl von Geschichte vermittelt, wenn er einen architektonischen Bezug hat. Bei der Arbeit im öffentlichen Raum macht der Ort 60 Prozent des Kunstwerks aus.
Wie entdeckst du deine Motive?
Das ist ein Geheimnis :)! Das habe ich auch vom Graffiti übernommen – man hält die Augen offen und lässt den Blick ständig über alles um sich herum schweifen.
Mit welcher Technik hast du am Anfang gemalt, und was verwendest du heutzutage an Wänden?
Schon in den Anfängen habe ich Acrylfarbe mit Sprühfarbe kombiniert. Das ist eine gute Kombination für den Außenbereich und kommt günstiger. In den letzten Jahren habe ich für abstrakte Wandbilder kaum noch Sprühfarbe verwendet; ich erledige praktisch die gesamte Arbeit mit Pinseln und Rollen.
Hast du ein spezielles Werkzeug oder eine spezielle Technik entwickelt?
Im Jahr 2020 habe ich ein Computerprogramm zur Erzeugung zufälliger Kompositionen entwickelt – lange vor dem Aufkommen der allgemeinen KI; das hat nichts damit zu tun. Ich gebe eine Reihe von Elementen oder Formen, die ich selbst erstellt habe, in das Programm ein, lege einige Parameter fest, und das Programm generiert zufällige, einzigartige und unwiederholbare Kompositionen.
Es ist ein sehr einfaches Programm, aber ich finde es äußerst hilfreich bei der Planung meiner Arbeiten. Es ist wie ein Würfel mit vielen einzigartigen Seiten. Ich nutze es auch heute noch, sowohl für die Arbeit im Atelier als auch für Werke im Außenbereich.
Wie sieht der Ablauf deines Malprozesses an Wänden aus und wie lange dauert dieser circa?
Der erste Schritt ist die Auswahl des Raums; danach lege ich die Farbpalette fest. Anschließend plane ich die Arbeit, entweder anhand einer detaillierten Skizze oder auf der Grundlage von Notizen in meinen Skizzenbüchern. Je nach Größe kann dies einige Stunden oder einen ganzen Tag dauern. Bei großformatigen Wandgemälden dauert es mehrere Tage, in der Regel jedoch nicht mehr als vier.
Anscheinend legst du zunächst ein bestimmtes Format an der Wand fest, bevor du loslegst, oder?
Ja, ich lege zumindest die Hauptformen fest – diejenigen, die in der Komposition das größte Gewicht haben. Darauf baue ich dann auf.
Machst du vorher Skizzen?
In den letzten Jahren habe ich das bei den meisten meiner Projekte in meine Arbeitsweise integriert. Ich plane im Voraus, indem ich eine Skizze anfertige – das kann eine Zeichnung oder eine digitale Skizze sein.
Wie wichtig ist das Skizzieren eigentlich für deine Arbeit?
Es ist zu einem ziemlich wichtigen Teil des Prozesses geworden, und es macht mir Spaß. Ich plane die Arbeit gerne; so verbringe ich mehr Zeit damit, die Idee auszuarbeiten. Wenn ich mit einem Plan und einer klareren Vorstellung davon, was ich machen möchte, zum Ort gehe, verbessert das die Ergebnisse.
Freestyle scheint in deiner Arbeit eine Rolle zu spielen, nicht wahr?
Ich arbeite seit vielen Jahren Freestyle und nutze dabei nur wenige Notizen oder Ideen als Orientierung. Aber selbst wenn ich von einer festgelegten Vorzeichnung ausgehe, gibt es immer ein Element der Improvisation. Vor allem in den letzten Phasen, wenn der Großteil der Arbeit bereits feststeht, gönne ich mir etwas Zeit zum Nachdenken, in der ich Elemente zum Werk hinzufügen oder entfernen kann.
Wie gehst du vor, um neue Formen und Texturen zu finden?
Seit einigen Jahren lasse ich mich direkt von öffentlichen Räumen inspirieren. Ich mache Fotos und destilliere die Teile dieser Bilder heraus, die mich interessieren, und integriere sie in mein künstlerisches Vokabular. Mich interessieren bestimmte Arten von Spuren auf dem Boden oder an Wänden – abblätternde Farbe, Unvollkommenheiten, zufällige Graffiti, Durchstreichungen oder Verschmierungen, spezifische architektonische Merkmale jedes Ortes und so weiter. Ich finde diese Art von Referenzen sowohl formal als auch aufgrund ihrer emotionalen und konzeptuellen Bedeutung interessant. Sie lassen sich auf viele verschiedene Weisen interpretieren.
Was deine Farbwahl angeht: Wie wichtig sind Farben für dich?
Ich betrachte mich in erster Linie als Maler – als zeitgenössischer Maler. Der Umgang mit Farbe ist eines meiner wichtigsten Werkzeuge. Ich arbeite nicht auf dieselbe Weise mit Farbe wie im 16. Jahrhundert, aber sie ist ein grundlegender Bestandteil meiner Arbeit. Ich male mit einer bestimmten Farbpalette, die sich im Laufe der Zeit verändert oder von der Serie abhängt, an der ich gerade arbeite.
Gerne arbeite ich mit bestimmten Einschränkungen, wenn es um Farbe geht, und schaffe mir so eine Reihe von Regeln. Das ist eine Möglichkeit, mich zu fokussieren und nicht vom Weg abzukommen, immer abhängig vom Raum oder dem, was ich gerade vermitteln möchte.
Wie legst du die Farbpalette fest, bevor du eine Wand bemalst?
Das hängt hauptsächlich vom Raum ab – von der Fläche, den Elementen, die dabei eine Rolle spielen könnten, und den Farben in der Umgebung. Es hängt auch davon ab, welche Art von Kunstwerk ich schaffen möchte.
Du malst auch auf Leinwand und schaffst verschiedene Atelierarbeiten. Welche unterschiedlichen Techniken wendest du im Atelier an?
Ich male schon seit langer Zeit mit Acrylfarben, und seit etwa drei Jahren integriere ich Ölfarben und Emaillefarben in meine Atelierarbeiten. Diese Materialien verwende ich hauptsächlich auf Leinwänden. Auf Papier benutze ich nach wie vor meist Acryl- oder Vinylfarben.
Für meine Skulpturen schneide ich Aluminium.
In deinen abstrakten Leinwänden scheinen Texturen aus dem Straßenraum und Sprühfarbe eine wichtige Rolle zu spielen…Sind das deine Inspirationsquellen?
Praktisch alle Elemente und Formen, die in meinen Werken auftauchen – sei es direkt oder indirekt –, sind Bezüge zur Straße. Diese Art von Texturen sind wichtige Elemente. Der öffentliche Raum ist sowohl auf referenzieller als auch auf konzeptioneller Ebene Teil meiner Arbeit, und meine Arbeit im Atelier fließt in meine Arbeit im Freien ein und umgekehrt. Die Landschaft, in der ich lebe, beeinflusst mich auf jeder Ebene.
Seit wann beschäftigst du dich mit Bildhauerei, und kannst du den Entstehungsprozess beschreiben?
Für eine Ausstellung in Madrid im Jahr 2022 installierte ich in der Galerie eine Reihe von Arbeiten, die zwar keine Skulpturen im herkömmlichen Sinne waren, aber auf skulpturaler Ebene funktionierten. Es handelte sich um Formen, die durch die zufälligen Bewegungen der Schaufel eines Baggers beim Abriss eines Hauses entstanden waren. Ich habe diese Werkserie „Extraction“ betitelt; dies war der Text, der die Werke in Form eines Berichts begleitete:
„Am 27. und 29. April 2022 war ich Zeuge des Abrisses eines Hauses an der Avenida Campo Nr. 14 in Pozuelo de Alarcón, Madrid.
Während die Bagger im Einsatz waren, dokumentierte ich den Abrissprozess auf Video. Nach den Dreharbeiten durchsuchte ich die Baustelle und suchte nach Oberflächen, auf denen ich eingreifen konnte.
Anschließend trug ich blaue, rote und rosa Farbe auf verschiedene Betonbalken – Teile der Hauptkonstruktion des Hauses – sowie auf Fragmente auf, die sich von der Hauptfassade gelöst hatten.
Ich dokumentierte die Umgebung, in der sich die Stücke befanden, mit Fotos und Videos.“
Das Werk des Künstlers Gordon Matta-Clark hat diese Serie maßgeblich beeinflusst.
Das andere Mal, wo ich mich mit Skulpturen beschäftigte, war im Rahmen meiner jüngsten Ausstellung „Patrones de Fractura“. Ich hatte diese Werkserie schon seit einiger Zeit im Kopf, und in dieser Ausstellung nahmen sie Gestalt an. Es handelt sich um Skulpturen in dem Sinne, dass sie nichts anderes sind als Objekte, die mit dem Raum in Beziehung stehen.
Ich habe einige der Formen, die in meinen Gemälden vorkommen, in Objekte umgesetzt und sie so aus der Zweidimensionalität in die physische Welt übertragen. Zunächst fertigte ich verschiedene Papiermodelle an, die ich von Hand ausschnitt. Nachdem ich die endgültigen Formen ausgewählt hatte, wurden diese aus Aluminium ausgeschnitten und von Hand mit Glanzlack bemalt. Einige dieser Werke sind gefaltet, um ihre Stabilität zu gewährleisten; sie deuten einen Innenraum an, schließen ihn jedoch nicht vollständig ein; sie nehmen einen Platz im Raum ein, begrenzen ihn aber nicht; in gewisser Weise umreißen sie auch die Leere des Raums.
Zwei Werke, „Ventana“ und „Vértebra“, fungieren als Wandskulpturen oder dreidimensionale Gemälde. Eine wichtige Inspirationsquelle für diese Werkserie ist das skulpturale Schaffen des modernen spanischen Künstlers Pablo Palazuelo.
Vielen Dank für deine Zeit und viel Erfolg für all deine Vorhaben!
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