Hallo! Du kommst aus Frankreich und lebst in Rennes in der Bretagne. Seit wann lebst du dort und warum?
Ich bin 2018 zum Studium nach Rennes gezogen und habe dort ein Studium der bildenden Künste begonnen.
Wo bist du aufgewachsen und wo hast du vorher gelebt?
Ich bin bei Paris in Île-de-France aufgewachsen und habe dort gelebt. Dort habe ich mit Graffiti angefangen, aber erst in Rennes habe ich meine Arbeit wirklich weiterentwickelt.
Kannst du uns etwas über deine Kindheit erzählen? Wie bist du aufgewachsen?
Ich bin in einer liebevollen Familie aufgewachsen; ich hatte die Möglichkeit, allem nachzugehen, was mich interessierte. Ich habe in meiner Jugend Musik gemacht und schon als Kind gemalt. Ich hatte das Glück, dass meine Familie mir erlaubte, das zu tun, was ich liebte.
Welches Instrument hast du als Kind gespielt und welche Art von Musik? Und spielst du heute noch Musik?
Ich habe in meiner Jugend angefangen, Klarinette zu spielen; ich habe sechs Jahre lang gespielt und als Teenager damit aufgehört. Dadurch habe ich eine Wertschätzung für Musik entwickelt, auch wenn es mir am Ende keinen Spaß mehr gemacht hat, sie zu spielen. Ich spiele kein Instrument mehr, aber ich mache ab und zu mit Software Musik.
Gibt es in deiner Familie Künstler oder Künstlerinnen?
Mein Vater ist Architekt; er kann gut figurativ zeichnen – darin ist er sehr versiert, ebenso wie im Umgang mit Aquarellfarben. In seiner Freizeit zeichnet und malt er. Aber meine Herangehensweise an die Kunst und meine Sichtweise darauf unterscheiden sich natürlich ziemlich von seinen.
Hast du als Kind gezeichnet oder gemalt?
Ja, ich habe viel mit Kindermalutensilien gemalt – Gouache und billige Pinsel. Ich habe mir Geschichten ausgedacht und sie gleichzeitig gemalt; diese Energie versuche ich auch heute noch beim Malen wieder einzufangen.
Hast du Comics gelesen?
Nicht besonders viele. Ich hatte ein paar „Gaston Lagaffe“-Comics, die ich wirklich lustig fand, aber ich bin kein begeisterter Comic-Leser. Ich mochte Comics im Manga-Stil sehr gerne, wie „Albator“ und „Goldorak“; diese Fantasiewelten haben mich aufgrund ihrer visuellen und akustischen Atmosphäre nachhaltig beeindruckt.
Wie, wann und wo hast du Graffiti Writing entdeckt?
Ein Freund und ich entdeckten ein von Mauern umgebenes Brachgelände, das etwas versteckt lag und nicht weit von der Mittelschule entfernt war, die wir besuchten. Wir gingen mehrmals dorthin, und eines Tages fanden wir auf dem Gelände Sprühdosen. Wir fingen einfach so an, Tags zu sprühen, und eins führte zum anderen – wir entdeckten die Pariser Läden für Sprühfarben und kamen langsam auf den Geschmack.
Du hast mit 15 oder 16 angefangen, richtig? Wie lautete dein Name, und welchen Stil hast du verwendet?
Das stimmt – ich war damals 15. Ich habe mehrere Tags ausprobiert, bei denen ich aber nicht lange geblieben bin; mein vorletztes war EUROP. Wir hatten gerade Europa im Geschichts- und Geografieunterricht behandelt, und ich fand das langweilig, also wollte ich das Wort „Europe“ „verblenden“, indem ich das „E“ am Ende entfernte und es dann als Tag hinterließ.
Seit wann bist du mit dem Namen OPUR (Opur LaBouture auf Instagram) aktiv, und was bedeutet dieser Name?
Ich war 2017 zum ersten Mal in Rennes, und schon an meinem allerersten Tag war ich gerade dabei, „EUROP“ zu sprühen, als ein Polizeiauto direkt an mir vorbeifuhr. Ich rannte los, um mich in einer Gasse zu verstecken, aber sie fanden mich und drohten mir, nachdem sie meinen Ausweis abgenommen hatten. Sie sagten mir, wenn sie auch nur noch ein „EUROP“-Tag in der Stadt sehen würden, wüssten sie, dass ich es war. Ich bekam Angst und änderte meinen Namen. Ich ordnete die Buchstaben dieses Namens neu an – was mir langsam immer besser gelang – und so kam ich auf „OPUR“! Während meiner Zeit an der Universität begann ich mich für Pflanzen und deren Metaphern zu interessieren, wie Parasitismus und Invasion. Als ich mich näher mit diesen Ideen beschäftigte, fand ich einen Reim für OPUR: la bouture/OPUR – „Stecklinge“. Wie eine Pflanze säe ich, wenn ich Graffiti und Tags mache, Samen aus und streue Stecklinge aus, wo immer ich hingehe.
Wie wichtig war dir das Taggen? Und wie sieht es mit Throw-ups aus?
Ich fand es großartig, einen Teil von sich selbst im öffentlichen Raum zu hinterlassen – beim Tagging geht es darum, einen Ort für sich zu beanspruchen. Das Aufspüren von Orten zum Malen ist auch eine Möglichkeit, die Stadt kennenzulernen, in der man lebt, und das ist mir viel wichtiger als zum Beispiel Geschäfte oder Restaurants. Ich habe eine Weile gebraucht, um mich für Throw-ups zu begeistern; 2020 habe ich ziemlich viele gemacht und mache sie jetzt wieder, aber es ist eher eine zweitrangige Disziplin – ich habe mich immer lieber auf Pieces konzentriert, also großformatige Graffitis.
Hast du am Anfang alleine oder als Teil einer Crew mit dem Writing angefangen? Wenn ja, zu welchen gehörtest du?
Ganz am Anfang in der Île-de-France haben nur mein Freund und ich gemeinsam Graffiti gesprüht. Ich habe damals zwar andere Leute kennengelernt, aber wir haben nie eine Crew gegründet. Später habe ich in Rennes eine Crew mitbegründet, die das perfekte Gegenstück zu meinem abstrakten und experimentellen Stil war. Es war eine sehr strukturierte Crew – viel Blocklettering, Effizienz und Pracht in den Buchstaben.
Hast du dich über Graffiti-Stile in Büchern, Zeitschriften oder auf Websites informiert?
Als ich mit Graffiti angefangen habe, habe ich viel Zeit online verbracht; über Websites und YouTube habe ich Writer entdeckt, die mich nachhaltig beeindruckt und damals stark beeinflusst haben, wie zum Beispiel SAEIO und IGIT. Später waren es dann Bücher und zeitgenössische Künstler, die mich mit ihren unterschiedlichen Herangehensweisen inspiriert haben.
Haben dich zu Beginn ein klassischer Stil oder bestimmte Writer beeinflusst?
Es war nicht wirklich ein bestimmter Stil; es ging eher um einzelne Künstler, deren Arbeit ich fesselnd fand. SAEIO, die Mitglieder der PAL-Crew im Allgemeinen und all die Leute, die Buchstaben dekonstruierten und etwas Neues schufen. Ich schätzte die Arbeit von Artur Breakdance Socia und der Moderne Jazz-Crew sehr, insbesondere die von Obisk.
Welche klassischen Stile bevorzugst du: Blockbuchstaben, Wildstyle, 3D-Stil …?
Generell habe ich keinen Lieblingsstil, nicht einmal innerhalb des sogenannten „Antistyle“. Ich habe eine besondere Vorliebe für Pariser Blockbuchstaben, denn das war die Art von Graffiti, die ich als Erstes gesehen habe und die mich dazu gebracht hat, mich selbst im Graffiti zu versuchen.
Kannst du deinen Stil beschreiben, als du angefangen hast?
Anfangs habe ich einfach nur versucht, gerade Linien zu zeichnen; meine Schrift war ziemlich rund, und ohne es überhaupt zu merken, habe ich bereits mit den Farben und Texturen gearbeitet, die mir am besten gefielen.
Hast du dich beim Erlernen der Regeln des Style Writings wirklich auf die Buchstabenformen konzentriert?
Nicht wirklich – ich habe mich einfach von meinen Einflüssen, Entdeckungen und dem, worauf ich gerade Lust hatte, leiten lassen. Ich habe mir immer viele Gedanken über meine Werke gemacht, je nachdem, wo sie entstanden sind. So entstanden einige traditionelle Schriftarbeiten, weil die Umstände es erforderten.
Wo hast du am Anfang am meisten gemalt?
Anfangs war ich oft im 92. Bezirk, dem westlichen Vorort von Paris. Ich bin ziemlich oft dorthin gefahren und habe dort häufig gemalt. Aber nachdem ich nach Rennes gezogen war, habe ich gelernt, hinauszugehen und nach abwechslungsreicheren Orten zu suchen.
Du hast 2018 ziemlich schnell angefangen, mit abstrakten Formen zu arbeiten, inspiriert von „Buffs“. Wie bist du auf die Idee gekommen, so zu arbeiten?
Ich hatte den Dokumentarfilm „The Subconscious Art of Graffiti Removal“ gesehen; er hat mich bewegt und meinen Blick darauf erweitert, was Graffiti alles sein kann. Wenn Menschen, die mit Graffiti überhaupt nicht vertraut sind, in den öffentlichen Raum eingreifen und eine neue Ästhetik schaffen können, kann dieser Ansatz auch von den Writern selbst ausgehen.
Wie hast du die Ästhetik der „Buffs“ auf der Straße entdeckt?
Nachdem ich diese Dokumentation gesehen und mir PALs Arbeiten online angesehen hatte, änderte sich meine Sichtweise auf der Straße allmählich. Mir fielen immer mehr die Übermalungen, die Spuren von Hochdruckreinigern und die unbeabsichtigten Spuren im öffentlichen Raum auf – wie zum Beispiel Brandspuren an Wänden, wenn Leute Mülltonnen in Brand setzen.
Gibt es in Rennes viele „Buff-Zonen“?
Ein paar – es gibt Orte, an denen Mitarbeiter der Stadtverwaltung die Wände regelmäßig reinigen. Mit der Zeit habe ich die interessantesten Spots für Graffiti Writer kennengelernt: seltsame Orte, an denen immer wieder Spuren der Reinigung auftauchen, zu denen die Writer aber immer wieder zurückkehren.
Du hast du mir erzählt, dass du bildende Kunst nach der Schule studiert hast. Wo und wie lange?
Ich habe vier Jahre lang bildende Kunst studiert; dadurch konnte ich neue Denkweisen und Herangehensweisen in Bezug auf Graffiti entdecken. Zum Beispiel habe ich theoretisches Wissen über die Bewegung der relationalen Ästhetik der 1990er Jahre erworben. Diese Bewegung hat mich nachhaltig geprägt und mich dazu gebracht, Graffiti aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten.
Kannst du uns etwas über die Bewegung der relationalen Ästhetik der 90er Jahre erzählen und wie für dich der Zusammenhang zum Graffiti aussieht?
Diese Bewegung – die eigentlich keine richtige Bewegung, sondern eher eine Art Trend ist – hat mich zu einer Zeit sehr beeindruckt, als ich versuchte, meine Graffiti-Praxis so weit wie möglich zu intellektualisieren. Nachdem ich Jean-Charles Masseras *Amour, gloire et CAC40* gelesen hatte, begann ich darüber nachzudenken, wie ich diese Denkweise auf Graffiti übertragen könnte. Inspiriert von den Werken, die der Autor in seinem Buch bespricht, und von meinen eigenen persönlichen Bezugspunkten entwickelte ich verschiedene Arten von Kunstwerken, die im öffentlichen Raum und im Atelier entstehen sollten. Ich studierte damals noch bildende Kunst an der Universität und organisierte mehrere partizipative und kollaborative Graffiti-Workshops mit der Öffentlichkeit. Außerdem beschäftigte ich mich mit interaktiven Formen der bildenden Kunst.
Haben diese Kunststudien deine aktuelle Graffiti-Praxis beeinflusst?
Natürlich! Ich habe speziell für das Studium Graffiti und Leinwandbilder geschaffen, und das hat meine Graffiti-Praxis ständig beeinflusst. Meine Atelierarbeit und meine Graffiti im Vandalismus-Stil gingen Hand in Hand.
Deine Fotografien bestimmter Arbeiten aus der Zeit an der Kunsthochschule zeigen, dass du dich auf den Zusammenhang zwischen Graffiti und Innenraummalerei konzentriert haben, wobei du das Ausradieren und die Wirkung von Schichtung in den Vordergrund stellst. Du hast damals Videos gedreht und Graffiti auf Bettlaken projiziert. Was hat dich dazu inspiriert, dich mit dem Ausradieren und der Wirkung von Schichtung zu beschäftigen?
Eines der am häufigsten wiederkehrenden Themen im Graffiti ist in der Tat dieser Begriff des Auslöschens; es ist eine der häufigsten Variablen, die die Ästhetik des öffentlichen Raums verändern und prägen. Da mir auffiel, dass die meisten Graffiti Künstler diesem Detail keine Beachtung schenken, wollte ich den umgekehrten Ansatz verfolgen und eine Methode anwenden, die diese Variablen berücksichtigt und sich mit ihnen auseinandersetzt.
Ich spüre die Einflüsse von Antistyle und Post-Graffiti-Arbeiten wie z.B. den Arbeiten der PAL-Crew, von KESO, der Diamonds-Crew, BUS126 und anderen. Wann und wie hast du diese Stile entdeckt?
Ich habe sie nach und nach entdeckt; einige weckten mein Interesse und bestärkten mich in meiner Überzeugung, dass ein Dialog zwischen urbaner Ästhetik und anderen Stilen möglich ist. Das hat mich zwar nicht unbedingt ästhetisch beeinflusst, aber mir wurde klar, dass dieser Ansatz auch von anderen geteilt wird.
Welche Künstler, die in diesen Stilrichtungen arbeiten, gefallen dir besonders gut?
Derzeit schätze ich vor allem die Arbeiten von NOKIA von Germes Gang, Sindri Dyrason, Capsor N4S und Rozer TLS. Ich finde ihre Stile wirklich innovativ.
Gibt es auch moderne und zeitgenössische Maler, die dir gefallen?
Ich schätze die Arbeiten von Katharina Grosse, Lisa Mouchet und die Werke von „La S Grand Atelier“ – Künstler, deren Arbeiten die Grenzen der zeitgenössischen Kunst überschreiten und sich in Bereiche wie Graffiti, Art Brut und Grafikdesign vorwagen. Außerdem schaue ich mir gerne konzeptuelle Werke an, die meine Graffiti-Praxis beeinflussen können, wie zum Beispiel Allan Kaprows *Yard* (1967).
Eine Reihe von Graffiti-Arbeiten, die du 2020–2021 in Rennes und Meudon geschaffen hast, ermöglichte es dir, mit der Entwicklung eines Graffiti Pieces innerhalb einer einzigen Sitzung zu experimentieren. Kannst du dieses Konzept und diesen Prozess beschreiben?
Ich hatte bei mehreren Mal-Sitzungen die Gelegenheit, mir etwas Zeit zu nehmen, um über die Inszenierung nachzudenken. Indem ich ein Graffiti-Werk mit verschiedenen Materialien – Sprühfarbe und einer Rolle – schuf, gestaltete ich theatralische Szenen, die ich in einer einzigen Sitzung inszenierte. Das Graffiti erscheint, Tags werden langsam darüber gelegt, der „Buff“ taucht auf, bis alles ausgelöscht ist, und dann entsteht ein neues Werk.
In den Jahren 2023–2024 hast du weiterhin mit verschiedenen Stilen und Variationen des Letterings experimentiert, wobei du Farben verwendet hast, die du auf der Straße und auf Baustellen gefunden hast; dadurch konnstest du neue Kompositionen entdecken. Gleichzeitig hast du intensiver an bestimmten Letterings und Illustrationen gearbeitet und so deine Beherrschung des Mediums verfeinert. Kannst du deine Schriftzüge und Illustrationen aus dieser Phase beschreiben?
Diese Zeit war aus technischer Sicht in der Tat sehr erlebnisreich. Ich hatte die Gelegenheit, mich mit Schriftzügen zu beschäftigen, die von mittelalterlichen Buchmalereien inspiriert waren. Diese Art von Arbeit steht im Gegensatz zu dem, was ich normalerweise mache; dennoch ist es eine Hommage an die alte Kunst der Buchstabenformen, aus der das moderne Graffiti nur sehr wenig Inspiration geschöpft hat. Wenn wir davon ausgehen, dass Graffiti seinen Ursprung in der Illegalität hat – von Höhlenmalereien bis hin zu den Kritzeleien von Soldaten an den Wänden Roms –, dann kann auch das Lettering eine eigene Geschichte haben.
Im Jahr 2025 hast du neue Farben und neue Kombinationen verwendet. Kannst du uns ein wenig darüber erzählen, welche Bedeutung Farben für dich haben?
Farben spielen in meiner Arbeit in der Tat eine sehr wichtige Rolle; oft bilden sie sogar die Grundlage meiner Werke. Farben sind ein Ausgangspunkt, und es ist das Zusammenspiel zwischen ihnen, das ich kombiniere. Nachdem ich intensiv mit Pastell- und Industriefarben sowie mit der Primärfarbpalette und deren kräftigen Kombinationen gearbeitet hatte, begann ich mich für gedecktere und natürlichere Farben zu interessieren.
Was deine Arbeitsweise betrifft: Welche Arten von Räumen oder Wänden bevorzugst du (alte oder moderne)?
Ich mag moderne Wände und Betonplatten, wenn ich sie finden kann, habe aber keine besondere Vorliebe für eine bestimmte Struktur. Ich mag etwas versteckte Orte, an die ich mehrmals zurückkehren kann, um weiter an meinen Pieces zu arbeiten oder mich in einer Umgebung auszubreiten. Solche Orte finde ich eher zufällig – manchmal mitten in der Stadt, manchmal im Wald.
Wie sieht die Situation in Rennes in Bezug auf Straßenmalerei aus? Wie entdeckst und wählst du deine Orte aus?
Rennes ist eine Stadt, die sich in einem extrem rasanten Wandel befindet und zu den 15 größten Städten Frankreichs zählt. Ich habe Orte gesehen, die schnell abgerissen wurden, und umgekehrt habe ich Orte gesehen, die nach und nach von der Vegetation überwuchert wurden. Je mehr Urbex-Orte ich besuchte, desto mehr fiel mir auf, welchen Schaden bestimmte Menschen anrichten können (zerbrochene Fenster, Brandspuren an den Wänden …). Einmal bin ich sogar zu einem verlassenen Gebäude gegangen, um dort zu malen, und stellte fest, dass es von innen brannte – die Feuerwehr war bereits vor Ort. Generell lohnt es sich in Rennes, die verschiedenen Stadtteile zu erkunden, die alle sehr unterschiedliche architektonische Stile aufweisen, und das führt unweigerlich dazu, dass man interessante Orte entdeckt.
Welche Technik hast du zu Beginn verwendet, und was benutzt du heutzutage an Wänden?
Ich verwende immer noch hauptsächlich Sprühlack. Sie ist ein unverzichtbares Werkzeug, aber ich versuche, sie über ihre üblichen Verwendungszwecke hinaus neu einzusetzen, um neue Formen zu schaffen. Ich benutze auch Farbroller und Pinsel, wodurch ich eine eher malerische Ästhetik erkunden kann.
Hast du ein bestimmtes Werkzeug oder eine bestimmte Technik entwickelt?
Es handelt sich eher um eine ruckartige Technik mit Sprühfarbe, bei der die Bewegungen im Widerspruch zu den klassischen Konventionen des Konturierens, Ausfüllens oder Umrandens stehen.
Wie sehen die einzelnen Schritte deines Malprozesses aus, und wie lange brauchst du ungefähr, um ein Pieces zu malen?
Die Entstehung eines „Antibuff“ – meiner abstrakten Arbeiten, die mit dem „Buff“ interagieren – kann zwischen 30 Sekunden und mehreren Stunden bei viel größeren Pieces dauern. Insgesamt versuche ich, die richtige Balance zwischen Effizienz und Dichte zu finden – den Raum nicht zu überladen, damit sich das Bild frei und fließend anfühlt, und dennoch ein vollständiges Werk zu schaffen, obwohl natürlich auch unvollendete Bilder ihren eigenen Reiz haben können.
Entscheidest du dich vor Beginn für ein bestimmtes Format für die Wand?
Ja, meistens, wenn dort bereits andere Graffitis zu sehen sind. In diesem Fall passe ich mich an, aber wenn ich an einer unberührten Stelle bin, kann ich mich ausbreiten und muss keinen konkreten Rahmen planen – das kann zu einer langfristigen Entwicklung führen.
Was war die längste Entwicklungsdauer eines Pieces?
Es gibt ein Gebäude, das seit vielen Jahren verlassen ist und so versteckt liegt, dass nur wenige Graffiti Writer dort waren. Seit 2021 besuche ich diesen Ort regelmäßig. Ich habe dort unzählige Werke geschaffen, die einen ziemlich großen Teil der Fassade des Gebäudes bedecken. Sie stehen in Wechselwirkung miteinander und entwickeln sich gemeinsam mit der dort auftauchenden Toy-Art oder anderen Graffitis weiter. Es ist mir mehrmals gelungen, hineinzukommen und meine Pieces im Inneren anzubringen, aber mittlerweile ist das Gebäude komplett abgeriegelt. Ungeachtet dessen ist dieser Ort immer noch ein „Work in Progress“ und ich arbeite dort weiter an meinen Arbeiten.
Machst du vorher eine Skizze, und wie wichtig ist das Skizzieren für deine Arbeit im Allgemeinen?
Ich zeichne sehr oft – fast jeden Tag. Manchmal behalte ich bestimmte Formen im Kopf, um mich davon inspirieren zu lassen und ihre Energie an der Wand wiederzugeben, aber das kommt ziemlich selten vor. Meistens improvisiere ich direkt an der Wand, und es ist mein gestischer Stil, der mich beim Malen leitet.
Wie wichtig ist Freestyle in deiner Arbeit?
Er ist ein ziemlich wesentlicher Bestandteil meiner Arbeit. Ich habe eine Vorlage, an die ich mich meistens halte, und verwende dabei gezackte Linien. Dieser Stil bringt mich dem Graffiti näher – so wie Leute, die „Throw-ups“ malen, ihre Schrift perfekt beherrschen, weiß ich genau, wie ich die Zufälligkeit in meinen Arbeiten steuern kann.
Wie gehst du vor, um neue Formen und Texturen zu finden?
Ich lasse mich dabei von den Orten inspirieren, die ich besuche, und von den Farben, die ich vor Ort kombinieren kann. Manchmal mische ich Farben in meinen Farbdosen, um neue Kombinationen zu schaffen.
Wie würdest du deinen aktuellen Stil mit eigenen Worten beschreiben?
Zunächst einmal meine ich damit nicht unbedingt „Antistyle“ – es ist ein Internetbegriff, der nützlich ist, um Graffiti Writer zusammenzubringen, die sich gegenseitig verstehen. Ich interessiere mich auch für alle Stile, die in diese Kategorie fallen. Persönlich würde ich eher von zeitgenössischem, experimentellem Graffiti oder abstrakter Malerei im öffentlichen Raum sprechen. In einer Zeit, in der Begriffe und Etiketten leicht verwechselt werden können, arbeite ich immer noch daran, einen Namen für meine Arbeit zu finden. Es mag ein wenig anmaßend sein, einen speziellen Begriff ganz für mich allein zu beanspruchen, zumal ich manchmal traditionelle Werke, „Antistyle“-Pieces und – gelegentlich – völlig abstrakte Arbeiten schaffe. Ich halte es für besser, einzelne Werke zu beschreiben, anstatt mein Gesamtwerk als Ganzes, bis ich ein Manifest veröffentliche, um mein gesamtes Schaffen zu benennen.
Du denkst darüber nach, ein Manifest zu schreiben?
Ja, ich glaube schon. Ich habe bereits einige kurze Essays zum Thema „Antibuff“ verfasst – ein Konzept, das ich zwar nicht erfunden habe, für das ich aber den Namen geprägt habe. Ich bin nicht der Einzige, der durch „Buffing“ und „Erasure“ neue Werke schafft, aber ich hielt es für wichtig, einen klaren Namen für diesen Prozess zu finden. Sobald es mir gelungen ist, einen roten Faden in meiner Malerei zu finden – wenn ich meinen ganz eigenen Weg einschlagen kann –, werde ich ein Manifest schreiben. Vorerst bin ich schon sehr froh darüber, dass ich unter der großen Zahl von Graffiti Writern, die abstrakt arbeiten und mit Graffiti experimentieren, einen wiedererkennbaren Stil habe.
Was gefällt dir an der Abstraktion?
Der Übergang vom Lettering zur Abstraktion ist ein Prozess, der so viele Formen annimmt, wie es Künstler gibt. Für mich ermöglicht mir die Abstraktion, mit Farben und pareidolischen Formen zu spielen, sodass ich mir beim Malen Welten und Formen vorstelle, ohne unbedingt zu versuchen, meine Gedanken genau darzustellen. Ich schaffe gerne lebendige, sprudelnde Welten; dieser Gemütszustand kann in den Köpfen der Menschen nachklingen, die meine Bilder betrachten. Es ist wie eine offene Tür, eine Einladung zum Gespräch, ein Austausch zwischen dem Künstler und dem aktiven Betrachter.
Bezeichnest du deine Wandarbeiten immer als „Pieces“?
Ja, wenn es sich um großformatige Werke handelt, für deren Entstehung ich viel Zeit gebraucht habe. „Piece“ ist ein Begriff, den ich für Graffiti verwende, die hinsichtlich Größe und Detailgenauigkeit ziemlich ausgereift sind. Wenn es sich um ein kleineres, prägnanteres, schnell ausgeführtes Graffiti oder ein „Antibuff“ handelt, nenne ich es einfach „Graff“.
Die älteren Generationen malten im klassischen Stil, lernten die Regeln der Schriftgestaltung und waren lange Zeit im urbanen Raum aktiv, um Erfahrungen zu sammeln und sich in der Szene einen Namen zu machen. Es scheint, als würden einige der jüngeren Generationen die klassischen Stile und Regeln gar nicht mehr erlernen; sie überspringen die Grundlagen, um sofort einen „Anti“- oder abstrakten Stil zu malen, inspiriert von denen, die diese neuen Ausdrucksformen nach 20 oder mehr Jahren Graffiti-Praxis entwickelt haben. Indem sie vom Lettering zu neuen Formen und Ausdrucksweisen übergehen, schaffen sie bildhafte Werke und Wandmalereien. Was hältst du von diesem Phänomen, das Teil dieser jüngeren Generation ist?
Ich finde es ziemlich spannend zu sehen, wie Leute, die jünger sind als ich, selbstbewusst gut sichtbare Spots in Angriff nehmen. Ich finde es amüsant zu sehen, wie sie ihren rauen Stil annehmen – schließlich habe ich ja auch irgendwie so angefangen und bei jeder Session anders experimentiert.
Wenn jemand gleich zu Beginn mit abstrakten Malereien oder Formen im Antistil arbeitet, ist er dann immer noch ein Graffiti Writer oder sollte man ihn einfach als Wandmaler bzw. Muralisten bezeichnen? Was meinst du dazu?
Ich habe den Eindruck, dass jüngere Leute, die spontan mit Graffiti anfangen – und zwar gleich in unkonventionellen oder bizarren Stilen –, am Anfang immer noch von bestimmten Dingen beeinflusst sind. Das ist natürlich normal, aber es bestimmt nicht unbedingt ihre Richtung; sie könnten den Kurs ändern oder an bestimmten Ideen festhalten, die sie dazu bringen, auf jeden Fall Graffiti zu machen. Wir reden immer über Malerei, aber der Einfluss von Graffiti als Denkweise ist immer da.
Kennst du viele junge Menschen in Frankreich im Alter zwischen 15 und 27 Jahren, die Graffiti praktizieren oder Wandbilder gestalten?
Ja, ich kenne einige mit unterschiedlichen Stilen. Mir sind bereits Veränderungen im Malstil von Graffiti Writern aufgefallen, die jünger sind als ich; ich habe den Eindruck, dass einige von ihnen verstehen, dass es darauf ankommt, sich von anderen abzuheben. Die eigenen Gewohnheiten und Formeln in Frage zu stellen, um den eigenen Arbeiten Energie zu verleihen, und sich dem Abstrakten zuzuwenden – das ist eine Möglichkeit, sich abzuheben und in der Welt des Graffitis weniger ausgetretene Pfade zu beschreiten.
Kannst du die Stile beschreiben, die sich gerade abzeichnen? Siehst du etwas Neues oder Originelles?
Wenn ich mir die Generationen anschaue, die etwas jünger sind als ich, sehe ich eine Rückkehr zum traditionellen Graffiti mit einem dekonstruierten Touch. Das ist keine Faulheit oder Nachlässigkeit – ich glaube, jede Generation bringt etwas Neues ins Graffiti ein. Und bei dieser Rückkehr zum traditionellen Lettering habe ich den Eindruck, dass es eher um reinen Vandalismus geht, der von politischen Ideen angetrieben wird – in einer Welt, in der die Unterdrückung zunimmt und die Menschen zunehmend nach konkreten Wegen suchen, um gegen politische Mächte zu rebellieren, denen wir völlig egal sind. Diese Beobachtung trifft jedenfalls auf Europa zu.
Hast du eine Vorstellung davon, was diese neue Generation erfinden oder weiterentwickeln könnte?
Ich sehe eine neue Beziehung zum Vandalismus – eine Art trotzige Beziehung zur Ästhetik. Ich denke, es wäre eine Falle, sich ausschließlich auf die Ästhetik der neuen Generationen zu konzentrieren; das eigentliche Interesse liegt in den ausgewählten Orten und dem Zusammenkommen von Menschen rund um das Erbe des Graffitis. Überwachungssysteme entwickeln sich weiter, ebenso wie die Orte, die verwendeten Methoden und die Kosten für Farbe – all diese Elemente werden die Codes des Graffitis verändern.
Du studierst derzeit Kunstgeschichte. Warum Theorie, und inwiefern kann dieses Wissen für deine künstlerische Praxis nützlich sein?
Ich stelle immer wieder Verbindungen zwischen zeitgenössischer Kunst und Graffiti her; diese Auseinandersetzungen ermöglichen es mir, meine Praxis weiterzuentwickeln. So beschäftige ich mich beispielsweise gleichzeitig mit Art brut, experimenteller Kunst, der Konzeptkunst der 1960er Jahre und Post-Vandalismus. Ich versuche, eine ganzheitliche Sichtweise einzunehmen und Verbindungen zwischen den Dingen, die wir studieren, und meiner eigenen Praxis herzustellen. Die Theorie ermöglicht es mir, beim Malen anders zu denken und zu reflektieren, was meine bildnerische Praxis unweigerlich verändert.
Wie genau arbeitest du mit Art Brut?
Seit einem Jahr beschäftigen sich meine Kollegen aus der Kunstgeschichte und ich mit Art Brut und ihren Entwicklungen innerhalb der zeitgenössischen Kunst. Ich betrachte das, was als Art Brut bekannt ist, als einen Baum, der sich noch immer von der zeitgenössischen Kunst unterscheidet, der an deren Peripherie wächst und gelegentlich die Mauern der zeitgenössischen Kunst durchbricht. Heute beschäftigen sich viele Denker, Autoren und KünstlerInnen mit Art Brut, und es ist ein Begriff, der im Zusammenhang mit Kunsttherapie, medialer Kunst, dem Konzept der Fürsorge und dem Zusammenhang mit psychischen Behinderungen betrachtet werden muss. All diese Bereiche waren historisch gesehen Teil von Art Brut, weshalb es sich um ein Konzept handelt, mit dem man sehr behutsam umgehen muss. Ich habe schon von einigen Graffiti Writern gehört, die Graffiti und Art Brut miteinander in Verbindung bringen; ich glaube, die Verbindung zwischen beiden ist ein Geist der Unabhängigkeit und ein Verlangen nach Freiheit.
Was ist „Post-Vandalismus“ und bist du auf diesen Begriff gestoßen?
„Post-Vandalismus“ ist ein von Stephen Burke geprägter Begriff, um Konzepte im Zusammenhang mit Graffiti durch bildende Kunst zu erforschen. Einerseits begrüße ich diesen Ansatz, der für viele KünstlerInnen notwendig ist, um sich innerhalb dieser Bewegung und dieses Rahmens entfalten zu können. Andererseits glaube ich, dass es manchmal notwendig sein kann, sich davon zu distanzieren oder ihn zumindest nur sparsam anzuwenden. Tatsächlich handelt es sich um einen Rahmen, der die Kreativität und den philosophischen Aspekt von Graffiti ersticken kann – wir sprechen hier von einer Praxis, die ihren Ursprung vor über 20.000 Jahren in Höhlen aus der Altsteinzeit (Paläolithikum) hat. Im Laufe der menschlichen Entwicklung ist sie illegal geworden, und zahlreiche Faktoren haben diese Kunstform geprägt. Den Begriff „Post-Vandalismus“ zur Beschreibung zeitgenössischer Kunstwerke zu verwenden, die Graffiti einbeziehen, mag vereinfachend sein und uns daran hindern, intellektuelle Wege zu erkunden.
Vielen Dank für deine Zeit und viel Erfolg für deine Projekte und das Manifest!
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