Hallo Utopia, ich habe gehört, dass du derzeit in Australien lebst? Wo genau? Seit wann, und hast du vor, dort zu bleiben?
Ich bin vor etwa einem Jahr nach Australien gezogen. Ich habe in Adelaide, Südaustralien, gelebt und ziehe gerade nach Melbourne.
Davor hast du in Berlin gelebt, richtig? Von wann bis wann?
Ich habe zwischen 2018 und 2023 in Berlin gelebt, mit einer einjährigen Auszeit in Schottland im Jahr 2019.
Wo bist du geboren und aufgewachsen?
Ich bin in einer kleinen Stadt im Norden Italiens, in der Region Venetien, geboren.
Gibt oder gab es in deiner Familie jemanden, der Künstler*in ist?
Nein, ich komme aus einer hart arbeitenden Familie. Meine beiden Eltern arbeiten in der Maschinenbauindustrie, die in meiner Gegend die wichtigste Beschäftigungsquelle darstellt. Meine Mutter ist zwar keine Künstlerin geworden, aber sie ist sehr künstlerisch veranlagt und hatte schon immer Projekte und Dinge, an denen sie gearbeitet hat. Sie kann wirklich alles machen: nähen, stricken, häkeln, mit Holz und Metall arbeiten, zeichnen …
Hast du schon als Kind gezeichnet?
Ja, ich hatte schon immer Interesse am Zeichnen und Malen. Das kam mir immer ganz natürlich vor, und ich wurde dabei unterstützt, weiterzumachen.
Hast du nach der Schule Bildende Kunst oder Grafikdesign studiert?
Ich habe in Berlin Grafikdesign und Visuelle Kommunikation studiert und außerdem ein Jahr lang in Schottland einen Vorbereitungskurs in Kunst und Design absolviert.
Wann und wie hast du Wandmalerei/Graffiti für dich entdeckt, und wann hast du damit angefangen?
Ich hatte schon immer Interesse daran, aber da ich in einer Kleinstadt aufgewachsen bin, gab es dort keine Szene, in die ich mich einbringen konnte. Graffiti richtete sich – allgemein gesprochen – nicht gerade an Mädchen, und das ist auch heute noch so; daher bin ich erst richtig damit in Berührung gekommen, als ich von zu Hause weggegangen bin. Das geschah erst wirklich, als ich nach Berlin zog und Leute traf, die bereits malten. Mein erstes richtiges Werk entstand an der legalen Wand im Naturpark Südgelände. Es war objektiv gesehen furchtbar, aber ich fand es toll.
Sprühlack hat etwas an sich, das sich völlig anders anfühlt als jedes andere Medium – es zwingt dich fast dazu, alles zu verlernen, was du über Malerei zu wissen glaubst. Die Art, wie du deinen Körper und deine Hand einsetzt, sogar der Druck deiner Finger – alles ist neu. Am Anfang ist man garantiert schlecht darin, was seltsamerweise befreiend ist. Es ist frustrierend, aber auch aufregend. Vor allem macht es einfach Spaß.
Erst als ich nach Schottland zog, fing ich an, regelmäßig zu malen. Die kleinere Szene bot einen viel freundlicheren Einstieg, während Berlin, so einladend es auch sein mag, gleichzeitig die europäische Hauptstadt des Graffitis ist, und das bringt eine ganz eigene Intensität mit sich.
Hast du damit angefangen, Buchstaben mit Sprühdosen zu malen?
Ja, ich habe mit sehr hässlichen Buchstaben angefangen, was, um ehrlich zu sein, der Ausgangspunkt für die meisten Leute ist. Buchstaben sind die Grundlage von Graffiti, und ich war ziemlich hartnäckig dabei, meine richtig hinzubekommen. Ich habe es mir auch nicht gerade leicht gemacht. „Utopia“ besteht aus sechs Buchstaben, was schon länger ist als die üblichen vier oder fünf, und es setzt sich aus Buchstaben zusammen, die in Bezug auf Form und Fluss nicht besonders freundlich sind. Im Graffiti sieht man viele Namen, die um Buchstaben wie S oder R herum aufgebaut sind, weil sie sich gut verbinden lassen, während „Utopia“ eher eine Herausforderung ist. Aber ich hatte diese Entscheidung getroffen, also habe ich mich daran gehalten.
Mit der Zeit habe ich mich tatsächlich sehr an diese Buchstaben gewöhnt, auch wenn ich immer noch einen persönlichen Groll gegen den Buchstaben I hege. Als ich das Gefühl hatte, sie fest im Griff zu haben, erlaubte ich mir, sie zu dekonstruieren. Ich glaube, Abstraktion funktioniert nur dann wirklich, wenn man versteht, dass man etwas nicht überzeugend auseinandernehmen kann, wenn man gar nicht weiß, wie man es überhaupt zusammenbaut. Lange Zeit hatte ich das Gefühl, dass ich mir diese Freiheit erst verdienen musste, bevor ich mich in abstraktere oder surrealere Gefilde vorwagen konnte.
Gab es damals Graffiti-Künstler*innen oder andere Wandmaler*innen, die dich inspiriert haben?
Mich haben vor allem Leute inspiriert, die nicht wirklich zu dem glatten, glänzenden Bild von Graffiti passten, das man sich normalerweise vorstellt. Ich glaube, jeder, besonders Frauen, findet letztendlich seinen eigenen Weg, sich in diesem Bereich zurechtzufinden, und in meinem Fall habe ich mich ganz natürlich dazu hingezogen gefühlt, mein eigenes Ding zu machen. Es fühlte sich an wie eine Möglichkeit, Erwartungen zu umgehen und wirklich Spaß daran zu haben, etwas zu schaffen, das ganz mir gehört. Ich habe mich schon immer zu Künstler*innen hingezogen gefühlt, die diesen Ansatz verfolgen – die ohne Umschweife Werke schaffen, die sich persönlich, ein wenig unkonventionell und ganz und gar eigen anfühlen. Leute wie Roids, Ruin, Sawe, Saio und Prall.
Als ich nach Berlin zog, hatte die Begegnung mit Leuten wie Moon und Bsos einen großen Einfluss auf mich. Beide malen mit Farbrollern, bauen ein Werk langsam auf und lassen es sich entwickeln, anstatt sich auf einen festen Plan festzulegen oder ein Endergebnis im Kopf zu haben. Die Arbeit verschiebt und verändert sich im Laufe des Prozesses, was ich als sehr befreiend empfand.
Hattest du Kontakt zur lokalen Szene?
Nicht wirklich, meine Heimatstadt ist sehr klein, und es gab nie eine wirklich sichtbare Szene. Falls es eine gab, als ich aufwuchs, war mir das nicht bewusst. Die nächstgelegene Stadt ist Vicenza, wo etwas mehr los ist, aber in meinem Ort gab es damals überhaupt nicht viel. Allerdings sind mir bei meinem letzten Besuch viel mehr Werke aufgefallen. Es scheint, als hätten sich jüngere Leute allein dadurch inspirieren lassen, dass mehr Graffiti auftauchten. Ich habe mit einigen von ihnen gesprochen, und es war interessant und ein bisschen surreal zu hören, dass sie an dieselben Orte gingen, an denen ich früher gemalt habe. In meiner Gegend gibt es viele verlassene Fabriken, und viele davon waren völlig unberührt, bevor Seven25 und ich sie bemalt haben. Wir haben diese Orte wie unsere eigene private Galerie behandelt. Ein paar Jahre später kamen dann andere hin, sahen, was wir gemacht hatten, und fingen an, dort ebenfalls zu malen. Es ist ziemlich befriedigend, das zu sehen, auch wenn es bedeutete, dass meine „geheimen Orte“ doch nicht so geheim waren.
Mit welchen Namen hast du angefangen?
Das möchte ich lieber nicht sagen…
Wann hast du Seven25 kennengelernt und seid ihr noch ein Paar und malt ihr noch zusammen?
Ich habe ihn 2019 kennengelernt, als ich für mein Studium nach Schottland gezogen bin, und seitdem sind wir zusammen. Er hat mich in die Szene in Edinburgh eingeführt und mich vor allem dazu ermutigt, einfach mein eigenes Ding zu machen und mich nicht unter Druck zu setzen, mich anzupassen. Der Einstieg in dieses Umfeld kann ziemlich einschüchternd sein, und jemanden zu haben, der mir diesen Raum zugänglich gemacht hat, hat einen großen Unterschied gemacht.
Hast du viel von ihm gelernt?
Natürlich. Es hilft ungemein, wenn der Partner dieselbe Leidenschaft teilt. Wir haben uns immer gegenseitig zum Malen motiviert, Tipps ausgetauscht und hatten im Grunde bei allem ein zweites Paar Augen. Er hat es so gestaltet, dass ich mich nicht unwohl gefühlt habe, auch wenn ich oft die einzige Frau in der Runde war. Ehrlich gesagt glaube ich nicht, dass ich ohne das dort wäre, wo ich jetzt bin – ich weiß sogar, dass das nicht der Fall wäre. Wir haben auch viel zusammengearbeitet, und unsere Entwicklung verlief immer ziemlich parallel. Manchmal habe ich das Gefühl, dass wir uns doppelt so schnell weiterentwickelt haben, nur weil wir uns gegenseitig angespornt haben.
Wie und wann bist du auf den Namen Utopia gekommen?
Der Name „Utopia“ entstand aus meiner Vorstellung, dass jede Malerei eine eigene Art von Utopie ist – nicht nur meine, sondern jede Malerei. Für mich ist jedes einzelne eine kleine, in sich geschlossene Welt, die zwar nicht real ist, aber irgendwie perfekt in sich funktioniert. Man kann hineinblicken und für einen Moment an diese unmögliche Logik glauben. Ich verwende diesen Namen nun schon seit vielen Jahren, und ich bin mir nicht sicher, ob ich mich noch ganz mit dem ursprünglichen Gefühl dahinter identifizieren kann. Damals war ich an der Kunsthochschule, sehr inspiriert und sehr idealistisch in Bezug auf all das. Aber in gewisser Weise repräsentiert es immer noch recht gut, wie ich über die Malerei dachte, als ich Iden Namen wählte, auch wenn ich ihn heute etwas kritischer betrachte.
Warst oder bist du Mitglied in irgendwelchen Crews? Wenn ja, in welchen?
KPM, Sport Club und Drum Brum.
KPM – wofür steht KPM und wer sind die Mitglieder?
KPM steht für „Kein Platz mehr“. Es ist eine Crew, die ich mit einigen engen Freunden gegründet habe, die ich in Berlin kennengelernt habe. Wir hatten alle gerade unsere jeweiligen Länder verlassen und fanden uns in einer neuen Stadt wieder, wo wir uns zurechtfinden mussten, hungrig nach Erfahrungen, hungrig danach, Menschen kennenzulernen und Dinge zu sehen, und schließlich fanden wir zueinander – wir alle wollten durch das Malen etwas aus uns machen, also gründeten wir eine Crew. Nicht jeder malt noch, und wir sind mittlerweile alle an andere Orte gezogen, aber es bleibt eine wirklich schöne Erinnerung. Es ist in gewisser Weise eine Erinnerung daran, warum ich überhaupt mit dem Malen angefangen habe.
Worauf hast du dich am Anfang konzentriert? Waren es zunächst nur Buchstaben, oder hast du von Anfang an auch mit figurativen Motiven gearbeitet?
Ganz am Anfang habe ich eigentlich eine ziemlich bunte Mischung gemalt. Neben Buchstaben habe ich viele Illustrationen und Figuren gemalt, zum Teil, weil ich sie unmittelbarer fand, und auch, weil die Leute dazu meist weniger zu sagen haben. Bei Buchstaben hat plötzlich jeder eine Meinung zu Abständen, Verbindungen, Struktur, einfach allem. Figuren fühlten sich in diesem Sinne etwas offener an.
Mit der Zeit gewann ich jedoch mehr Selbstvertrauen und Geschick im Umgang mit Sprühdosen und war mir sicherer, dass meine Buchstaben gar nicht so schlecht aussehen würden. Ich begann, mit verschiedenen Stilen zu experimentieren, und versuchte zu verstehen, was für mich Sinn ergab, anstatt nur den Erwartungen zu entsprechen, und dieser Prozess begann mich wirklich zu faszinieren.
Mit welchen Techniken hast du angefangen?
Ich habe mit Sprühlack angefangen, mit den billigsten Dosen, die ich finden konnte. Irgendwann wurde mir klar, dass Farbroller noch billiger waren, was sich damals wie ein Durchbruch anfühlte. Die Art, wie ich heute arbeite, ergab sich eigentlich ganz natürlich aus dieser Notwendigkeit: Ich konnte Eimer voller Farbe ewig strecken und mich bei der Farbgebung auf nur wenige Dosen verlassen.
Mit der Zeit lernte ich die Zurückhaltung, die mit dieser Einschränkung einhergeht, wirklich zu schätzen. Das hängt wahrscheinlich auch mit meinem Studium zusammen, insbesondere mit dem deutschen/schweizerischen Grafikdesign, wo sich alles um Absicht und Klarheit dreht. Wenn etwas keinen Zweck erfüllt, hat es dort nichts zu suchen. Das Gleiche gilt für Farbe: Wenn sie eher verwirrt als kommuniziert, wird sie entfernt. In gewisser Weise wurde also das, was als Budgetbeschränkung begann, zu einer bewussten Arbeitsweise.
Waren/sind das hauptsächlich „Halls of Fame“ oder legale Wände auf die du malst?
Alles Mögliche, wirklich legale Wände und auch andere. Da bin ich nicht besonders streng. Allerdings sind meine Favoriten verlassene Orte, also Lost places. Es hat etwas sehr Anziehendes, eine völlig unberührte Wand zu haben – eine richtige leere Leinwand. Man kann sich Zeit lassen, etwas entspannter sein und den Prozess tatsächlich genießen, ohne sich gehetzt zu fühlen oder unter Druck von der Umgebung zu stehen. Das kommt einer Atelierumgebung wohl am nächsten, nur mit etwas mehr Staub und Ungewissheit.
Wie wählst du normalerweise deine Wände aus?
Ehrlich gesagt bin ich nicht besonders wählerisch, was die Wände selbst angeht. Natürlich gilt: je größer und glatter, desto besser, obwohl ich eine Schwäche für eine gute Backsteinmauer habe. Was mir wichtiger ist, ist die Atmosphäre.
Nimmst du auch Auftragsarbeiten an?
Ja, hin und wieder. Im Idealfall würde ich gerne mehr machen, aber im Moment bin ich ziemlich viel unterwegs, was das Ganze etwas erschwert. Ich habe aber an jedem Ort, an dem ich mich aufgehalten habe, Projekte realisiert. Was ich mir eines Tages wirklich wünsche, ist, die Fassade eines Hochhauses zu bemalen – ein Werk in dieser Größenordnung zu sehen, wäre unglaublich.
Wenn du frei malst, improvisierst du dann direkt auf der Oberfläche? Oder hast du schon eine Idee im Kopf, bevor du anfängst, oder sogar eine Zeichnung/Skizze?
Bei mir ist es etwa 50:50. Es gibt Zeiten, in denen ich am Ende des Tages einfach nur zum Vergnügen male – da fängt es ja meistens sowieso an. In diesen Momenten habe ich keinen festen Plan. Vielleicht bringe ich eine Skizze als grobe Vorlage mit, aber sobald ich anfange, geht es eher darum, die Dinge fließen zu lassen, Ideen zu ändern, sie zu verschmelzen oder das Werk ganz seiner eigenen Richtung folgen zu lassen. Das kann sehr befriedigend sein, aber gelegentlich auch frustrierend.
Dann gibt es andere Momente, in denen ich bewusster vorgehe, wenn ich eine Idee richtig ausarbeiten oder etwas Durchdachtes auf eine Wand übertragen möchte. In solchen Fällen plane ich etwas mehr und versuche, dem Konzept treu zu bleiben, lasse aber dennoch Raum, damit sich das Bild im Laufe des Prozesses natürlich entwickeln kann.
Wie wählst du deine Farbpalette aus?
Im Gegensatz zu anderen Aspekten meiner ästhetischen und visuellen Identität hatte ich, glaube ich, schon von Anfang an eine ziemlich klare Vorstellung von Farben. In vielen Graffiti-Werken werden Farben eingesetzt, um Aufmerksamkeit zu erregen – sie sollen laut und ausdrucksstark sein und durch starke Kontraste hervorstechen. Ich habe immer festgestellt, dass, wenn alles versucht, hervorzustechen, am Ende nichts wirklich auffällt. Deshalb bevorzuge ich eher gedämpfte Farbpaletten, die es den helleren Elementen ermöglichen, tatsächlich hervorzustechen und einen Fokus sowie eine Hierarchie in dem zu schaffen, was man zuerst sieht. Vielleicht kommt das von meinem Studium, aber ich habe immer versucht, Farben eher nach Gefühl und Absicht auszuwählen als nach reiner Wirkung. In letzter Zeit habe ich noch weiter damit experimentiert und versucht, die Farbgebung noch weiter zu reduzieren, um zu sehen, wie viel Zurückhaltung das Bild tatsächlich verträgt.
Welche Techniken wendest du heute an Wänden an?
Ich arbeite meist mit einer Mischung aus Dispersionsfarbe und Farbrollen (Pinsel benutze ich eigentlich nicht) sowie Sprühlack, die ich meist auf ganz bestimmte, sanfte und kontrollierte Weise einsetze. Dieser Ansatz ist auf verschiedene Einflüsse zurückzuführen. Mich haben Writer, die ich in Berlin kennengelernt und im Laufe der Zeit beobachtet habe, sehr inspiriert, wie Relax, Moon, Bsos, Roger und Scim… Sie gehörten zu den Ersten, die ich dabei beobachtete, wie sie komplette Graffiti Pieces nur mit Farbrollern schufen, was mich wirklich beeindruckt hat. Zu sehen, wie selbstbewusst sie mit einem so reduzierten Werkzeugset arbeiteten, hat mir klar gemacht, dass man sich von den Erwartungen lösen und den Prozess dennoch voll und ganz beherrschen kann. Ein weiterer Einfluss ist Elph1, ein schottischer Writer, der Sprühlack auf sehr sanfte, fleckige Weise einsetzt, um subtile Farbverläufe und Texturen zu erzeugen. Das hat mir wirklich eine ganz neue Sichtweise darauf eröffnet, was Sprühfarbe für mich leisten kann.
Wie groß sind deine Wandbilder ungefähr?
So groß wie möglich.
Was war das größte Wandbild, das du bisher gemalt hast?
Wahrscheinlich etwa 20 × 5 Meter. Die meisten meiner bisherigen Arbeiten waren eher im Querformat gehalten, also breit statt hoch, daher würde ich gerne irgendwann einmal an etwas arbeiten, das mehr in die Höhe geht.
Wie lange brauchst du ungefähr, um ein Werk fertigzustellen?
Das hängt wirklich von der Art der Arbeit ab. Pieces müssen innerhalb eines Tages fertiggestellt werden – das ist ein fester Bestandteil der Kultur. Vor allem, wenn man eine legale Wand bemalt, hat man nicht wirklich den Luxus, am nächsten Tag wiederzukommen. Grössere Wandbilder nicht an einer Hall hingegen können mehrere Tage in Anspruch nehmen, da sie oft besser geplant und über einen längeren Zeitraum hinweg entwickelt werden.
Was sind die Herausforderungen bei der Gestaltung eines gelungenen Wandgemäldes?
Die Herausforderungen sind jedes Mal anders, weil man immer mit einer neuen Umgebung, einer neuen Oberfläche und neuen Materialien arbeitet, sodass sich die technischen Aspekte ständig ändern. Die einzige wirkliche Konstante ist, dass ich irgendwann im Verlauf des Prozesses – manchmal am Anfang, manchmal mitten drin – meist völlig davon überzeugt bin, dass ich es vermasselt habe. Diesen Moment zu überwinden oder einfach nur darauf zu starren und dann trotzdem weiterzumachen, das ist eine Herausforderung.
Buchstaben, Figuren, Objekte und Räume, Innenräume – all das scheint dich zu inspirieren und sind Motive mit denen du spielst. Kannst du uns etwas darüber erzählen?
Ich habe schon immer Figuren gemalt, noch bevor ich angefangen habe, Buchstaben zu malen. Ich glaube, darin liegt etwas sehr Menschliches – wir waren schon immer davon fasziniert, uns selbst darzustellen. Ich bin da wahrscheinlich nicht anders; ich versuche nur, mich dem auf meine eigene Weise zu nähern und verschiedene Formen des Körpers zu erforschen, mit einem besonderen Fokus auf Frauen und unsere komplizierte Beziehung dazu. Wir sind ständig von Bildern des weiblichen Körpers umgeben, oft stark sexualisiert, und dennoch gilt nur eine sehr begrenzte Bandbreite an Körpertypen als „akzeptabel“, was die Wahrnehmung unweigerlich prägt.
Als ich später begann, mit Buchstaben zu arbeiten, entwickelte ich ein Interesse daran, beides zu kombinieren. Ich nutze den Körper fast wie eine Struktur für Sprache, lasse Figuren Buchstaben bilden oder umgekehrt. Das wurde zu einem wirklich interessanten Feld, das es zu erforschen galt, insbesondere die Spannung zwischen Lesbarkeit und Form: Manchmal gibt der Buchstabe den Ton an, manchmal die Anatomie, und die Arbeit verändert sich je nachdem, wem ich den Vorrang gebe.
Das Schachbrettmuster als Boden taucht öfters in deinen Arbeiten auf – hat es für dich eine besondere Bedeutung?
Ich habe mir diese Frage kürzlich selbst gestellt, denn manchmal wählt man Dinge instinktiv aus und versteht erst später, warum man immer wieder darauf zurückgekommen ist. Ich glaube, ich bin zu dem Schluss gekommen, dass es mehrere Ebenen hat. Auf einer Ebene ist es ganz einfach ästhetisch – ich mochte schon immer den starken Kontrast und die grafische Wirkung. Außerdem mag ich Schach sehr gerne, und ich komme oft auf diese Idee der Strategie zurück und darauf, wie unterschiedlich sich jede Figur bewegen darf. In gewisser Weise fühlt es sich auch wie eine stille Reflexion der Gesellschaft an, die ungleichen Wege, auf denen sich Menschen darin bewegen dürfen – fast so, als würden wir alle durch ein System navigieren, das unterschiedliche Freiheitsgrade bietet.
Dann gibt es noch einen eher häuslichen Bezug, den ich interessant finde: Das Schachbrettmuster taucht oft in Küchen oder Badezimmern auf, in Räumen, die mit Fürsorge, Routine und traditionell weiblicher Arbeit verbunden sind, oder sogar auf Tischdecken, die mit dem Zubereiten und Teilen von Essen zu tun haben.
In früheren Arbeiten hast du viel mit Raum und Perspektive gearbeitet…
Ja, und das tue ich auch heute noch. Eine Zeit lang dachte ich, ich würde ständig zwischen verschiedenen Themen hin- und her wechseln, aber mit der Zeit wurde mir klar, dass ich immer wieder zu denselben zurückkehre. Mit dem Raum beschäftige ich mich derzeit intensiv; ich versuche, diese verschiedenen Elemente zu einer einheitlicheren Bildsprache zusammenzuführen. Früher habe ich sie eher getrennt voneinander untersucht, jetzt interessiert mich mehr, was passiert, wenn sie sich überschneiden und miteinander interagieren.
Was mir am Raum gefällt, ist, dass er sich gleichzeitig völlig real und völlig unmöglich anfühlen kann – fast wie traumhafte Labyrinthe oder liminale Umgebungen, die sowohl vertraut als auch ein wenig fremd sind. Oft hat man das Gefühl, sich in ihnen zu verirren, das, wie ich vermute, vielleicht auch einfach etwas Persönliches widerspiegelt.
Wie findest du neue Motive?
Am Anfang habe ich ziemlich viele verschiedene Dinge gemalt und einfach alles erkundet, was ich damals visuell interessant fand. Inzwischen habe ich gemerkt, dass ich eher zu einer klareren Auswahl an Motiven zurückkehre und diese weiterentwickle, anstatt ständig die Richtung zu wechseln.
In einigen deiner Werke spüre ich den Einfluss surrealistischer Maler – die verzerrten, fließenden Figuren erinnern mich zum Beispiel an Dalí. Der Kontrast und die Figuren/Volumen im Raum erinnern mich an Giorgio de Chirico. Gibt es moderne oder zeitgenössische Maler*innen, deren Werk dir besonders gefällt und die dich inspirieren?
Mich ziehen Bilder besonders an, die sich ein wenig wie ein Traum anfühlen – etwas, das zwischen dem Realen und dem Unwirklichen liegt, wo es Verzerrungen gibt, aber dennoch Wiedererkennbarkeit, und der Betrachter die Bedeutung selbst vervollständigen muss.
Es gibt einige wiederkehrende Themen, zu denen ich immer wieder zurückkehre. Eines davon ist der weibliche Körper – mich interessiert, wie seine Darstellung oft stark objektiviert und von äußeren Erwartungen geprägt ist. Ich male Figuren, die durch Begierde verzerrt oder durch diese Projektionen gedehnt sind, oft ohne definierende Merkmale wie einen Kopf oder eine Hautfarbe, damit sie offen bleiben und nicht auf eine einzige Interpretation festgelegt sind. Für die Figuren und ihre Verzerrung finde ich Inspiration bei Henry Moore, Francis Bacon und Egon Schiele.
Ich beschäftige mich auch mit surrealen Räumen, die nicht ganz wie Labyrinthe funktionieren, sondern manchmal fast wie Gefängnisumgebungen wirken. Auf den ersten Blick können sie traumhaft oder sogar schön wirken, doch meist schwingt ein Gefühl der Verwirrung oder Gefangenschaft mit, das man nicht ganz auflösen kann. Was die räumlichen Elemente und die Gestaltung der Welt angeht, orientiere ich mich eher an Escher und Giorgio de Chirico…
Wie oft malst du im Freien?
So oft ich nur kann! Als ich an der Uni war, hatte ich viel mehr Freizeit, also war ich so gut wie jede Woche draußen und habe gemalt. Heutzutage ist das weniger regelmäßig, und es läuft wirklich in Phasen ab – manchmal sehr aktiv, manchmal ruhiger, je nachdem, was sonst noch so los ist.
Malst du allein oder mit anderen?
Beides, aber meistens mit anderen. Das Schöne an Graffiti und Wandmalerei ist, dass es wahrscheinlich eine der geselligsten Kunstformen ist (wenn man es so will): Man sitzt nicht allein im Atelier, sondern ist draußen mit anderen Menschen zusammen, und das wird ganz natürlich Teil des Lernprozesses. Einige der nützlichsten Tricks, die ich mir angeeignet habe, habe ich beim gemeinsamen Malen mit anderen gelernt.
Man merkt auch, wie unterschiedlich Menschen an dieselbe Wand herangehen: unterschiedliche Vorgehensweisen, unterschiedliche Aufbauten und völlig unterschiedliche Ergebnisse. Man kann viel lernen, indem man einfach beobachtet, wie jemand anderes ein Werk umsetzt.
Wie würdest du deine eigene künstlerische Entwicklung beschreiben?
Ich würde sagen, sie war ziemlich sprunghaft und manchmal etwas chaotisch, mit abwechselnden Phasen intensiver Konzentration, in denen ich mich voll und ganz auf neue Ideen stürze und viel male, gefolgt von Momenten des Zweifels, in denen ich kurz hinterfrage, was ich da eigentlich tue.
Malst du in Australien weiter?
Ja, natürlich werde ich immer weitermalen!
Kennst du die lokale Szene?
Ja, ich hatte hier die Gelegenheit, einige lokale Writer kennenzulernen
Welche und wie viele Werke schaffst du im Atelier? Denn Wandmalerei scheint deine Haupttätigkeit zu sein…
Ich male tatsächlich ziemlich viel im Atelier, hauptsächlich mit Airbrush. Ich habe mich schon immer zu Mischtechniken hingezogen gefühlt, und im Moment arbeite ich an einem Projekt, das Airbrush, Bleistift, Sprühfarbe und einige eher unkonventionelle Materialien wie Nagellack kombiniert. Die Art und Weise, wie ich arbeite, ist ziemlich zyklisch: Ich durchlaufe Phasen, in denen ich sehr vertieft bin und viel produziere, abwechselnd mit anderen, in denen ich hauptsächlich skizziere.
Hast du Pläne für die nahe Zukunft? Stehen irgendwelche Projekte an?
Im Moment ist der Plan ganz einfach: weitermalen. Ich ziehe nach Melbourne und hoffe, den Bereich Wandmalerei in meiner Arbeit noch ein bisschen weiter voranzutreiben. Außerdem organisiere ich Mitte Juni, bevor ich Australien verlasse, eine Ausstellung mit Seven25.
Warum bist du nach Australien gezogen, wohin geht es danach?
Es war nicht unbedingt die erste Wahl, sorry, Australien. Aber im Grunde ist mein Partner Schotte, und nachdem das Vereinigte Königreich die EU verlassen hatte, konnte er nicht mehr in Deutschland bleiben. Also sind wir ins Vereinigte Königreich gezogen, aber dann wurde mein Visum abgelehnt. Anscheinend bin ich nicht wohlhabend genug. Zu diesem Zeitpunkt suchten wir einfach nach einem Ort, an dem wir beide tatsächlich leben konnten, und Australien hat uns beiden eine Chance gegeben. Insgesamt war es eine wirklich positive Erfahrung, aber ich kann mir nicht vorstellen, langfristig hier zu bleiben. Ich glaube, ich bin immer noch in einer Phase, in der ich herumziehe und herausfinde, was ich will.
Hast du im Laufe der Jahre Veränderungen für Frauen in der Graffiti-/Urban-Art-Szene beobachtet?
Ja und nein. Frauen sind nach wie vor eine klare Minderheit, aber gleichzeitig hat Graffiti diesen Aspekt: Wenn deine Arbeit gut ist, wird sie respektiert; wenn du starke Werke an guten Orten malst, zählt das. Die Leute respektieren die Arbeit … meistens. Aber es gibt definitiv immer noch ein großes „Aber“. Man muss sich nur die Kommentare unter den Posts von Frauen ansehen, die ihre Arbeiten veröffentlichen, um zu erkennen, dass nicht alles in Ordnung ist. Nehmen wir jemanden wie Bento – objektiv gesehen eine sehr starke Writerin, mit klarem Stil und soliden Werken – und dennoch konzentrieren sich viele Kommentare eher auf ihr Aussehen als auf ihre Arbeit. Das sagt viel aus. Für mich persönlich hat die Tatsache, dass mein Partner ebenfalls malt, dem Ganzen eine weitere Ebene hinzugefügt. Obwohl ich schon vorher mein eigenes Interesse an Graffiti hatte, gingen die Leute oft davon aus, ich sei nur eine „Graffiti-Freundin“, die wegen ihm malt. Das ist jetzt schon Jahre her, und ich glaube nicht, dass das heute noch jemand denkt, aber die Tatsache, dass das überhaupt einmal angenommen wurde, ist ziemlich aufschlussreich. Niemand hat jemals gedacht, er würde wegen mir malen.
Ich glaube nicht, dass Graffiti in einem Vakuum existiert, es spiegelt die Gesellschaft als Ganzes wider. Und gerade jetzt erleben wir definitiv eine Art Rückschritt, was die Frauenrechte angeht, also zeigt sich das natürlich auch hier. Ich habe schon längst aufgehört zu zählen, wie oft ich neben meinem Partner gemalt habe, während zwei fertige Arbeiten an der Wand waren, und die Leute dachten, ich würde nur zuschauen oder warten. Mit Farbe beschmiert, aktiv am Werk, und trotzdem nicht sofort als diejenige erkannt, die malt. Ich wurde sogar gefragt, ob ich „mal eine kleine Figur malen“ würde, was schon alles sagt. Allerdings muss ich sagen, dass ich mich in Berlin im Allgemeinen eher als gleichberechtigt behandelt gefühlt habe. Die Deutschen sind da ziemlich gut. Und eine positive Veränderung, die mir aufgefallen ist: Frauen fehlt es nicht an Interesse, oft fehlt ihnen nur ein sicherer Einstieg. Ich bin überzeugt, dass es genauso viele Frauen wie Männer gibt, die malen wollen, aber das Umfeld kann sich unsicher anfühlen. Und ich meine nicht die Polizei – wer Graffiti malt, ist darauf vorbereitet, vor der Polizei zu fliehen. Worauf wir weniger vorbereitet sind, ist, uns mit fünf Fremden, die zufällig alle Männer sind, in einen Tunnel zu quetschen. Mir ist aufgefallen, dass, sobald ich mit dem Malen angefangen habe, auch viele meiner Freundinnen Interesse daran bekamen. Manchmal reicht es schon, jemanden dabei zu haben, jemandem, dem man vertraut, damit sich dieser erste Schritt machbar anfühlt.
Vielen Dank für deine Zeit und viel Erfolg!
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